Off

Antonio Romero protagoniza esta comedia de tintes amorosos que sirve para criticar la situación del teatro «alternativo»

Seguramente la mayor paradoja de esta obra sea contemplar cómo se ha tergiversado el propio concepto de «off teatral», al menos desde el pasado «boom» madrileño. Es decir, cómo la idea de marginalidad, de experimentación —a veces underground—, de búsqueda de espacios inverosímiles, de proposiciones inéditas para los espectadores, se demostró altamente ineficiente económicamente. Y así, la etiqueta ha permanecido; pero ya solo remite (en términos generales) a precariedad, a producción escueta, a destajo, etc. Sigue leyendo

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Romeo y Julieta. Estrellas cruzadas

La compañía Hysteria Teatro adapta el clásico de Shakespeare en un espectáculo potenciado por el movimiento

Todo el mundo conoce la historia de estos dos amantes; así que la sorpresa será prácticamente nula. Por ello es necesario buscar nuevas estéticas para trasladar la esencia de este drama. Contar con pocos medios también exige un ingenio desmedido y, en este sentido, el amplio elenco que encontramos en el escenario de Nave 73 nos traslada, a través del baile y de la música, la pasión desmedida de Romeo y Julieta. Pero también es cierto que adaptar una obra tan popular y que recoge una tradición potenciada por el romanticismo, requiere unos requerimientos artísticos que aquí, en algunos aspectos, se echan de menos. Sigue leyendo

#CuandoTúyYo

Crónica de un desencuentro en una propuesta de teatro inmersivo para la celebración de una boda

Por primera vez, aquí no va una crítica completa ―ni siquiera media―. Somos invitados a una boda, ya saben, teatro inmersivo. Así que pasamos directamente al escenario a departir con los familiares y amigos del novio y de la novia, a tomarnos unas copas mientras suenan un par de temas, y una conga «improvisada» va recogiendo a los más entusiastas (los preámbulos han saltado por los aires). Hasta que hace aparición el padrino, el maestro de ceremonias, micrófono en mano. Abrimos el sobre que previamente nos han entregado y sacamos una pegatina con la foto de un personaje famoso (uno distinto cada uno). La cosa ya se pone demasiado participativa para aquellos que, ante todo, deseamos permanecer tranquilos en las butacas ―aunque inquietos intelectualmente―; cuando nos toca buscar a nuestro partenaire. Comienza el movimiento y no parece que haya forma de enmascararse en alguna oscuridad. Sigue leyendo

#LaIRA

Teatro documental para situar sobre las tablas una colección enorme de asesinos de muy corta edad

No hace más que unos meses reseñaba por aquí la obra de teatro documental de Jordi Casanovas titulada Port Arthur, y que transcribía con exactitud el interrogatorio realizado a un joven asesino de Australia. Ahora, la Sala Nave 73 acoge un espectáculo que abunda en esa idea; aunque la lleva por otros derroteros dramatúrgicos. Con #LaIRA podemos salir abrumados de la cantidad de casos ―hasta trece― a los que se quiere hacer referencia. De hecho, la estructura ya clarifica que perfectamente el montaje podría quedar reducido a la mitad (se marca el interludio con un baile) o, incluso, multiplicarse ―no será por criminales a nivel mundial―. Creo que esta decisión supone una rémora y que tiene, al menos, dos consecuencias negativas. La primera es la superficialidad, no entrar al fondo de cada espécimen para descubrir ―si se dieran―, sus auténticas motivaciones o las bases que nos permitieran conceptualizar el mal, que es el verdadero tema de esta función. La otra consecuencia ―determinada por la anterior―, es que algunos personajes resulten casi indistinguibles, sobre todo si la caracterización es mínima o nula (apenas una impostación de voz o algún leve signo visual).  Que vayan vestidos con un mono verde, como futuros presidiarios de algún país inconcreto, fuerza la sensación de que la interpretación se reduce y de que se convierten en relatores, en narradores. Todo ello forzado porque no se hace distinción, en ocasiones, entre personajes masculinos y femeninos (quizás hubiera estado bien un equilibrio entre chicos y chicas en el elenco). Sigue leyendo

Escena – Fin de temporada 2018-19

Una vez terminado el curso, llega la hora de repasar lo más destacable de la esfera teatral

Foto de marcosGpunto

Al final siempre ocurre lo mismo, los montajes excelentes se reducen a un escueto puñado; pero, si echo la vista atrás y comparo esta temporada con las cuatro o cinco anteriores, parece que la cosecha ha sido, en general, peor. Puede ser por diferentes motivos, entre otros, mi propia percepción subjetiva (puedo estar equivocado) o que la crisis no se ha terminado para el mundo teatral (seguramente nunca pase ya y sea necesario acostumbrarse a esta situación), o, también, que cuesta más atrapar a un público que vive sometido por muchas tentaciones «culturales», como, por ejemplo, las series de televisión. La clave sigue siendo el espectador. Y la crítica, claro. Aunque no pueda competir en influencia contra cientos de retweets claqueros. Merece la pena hacer un repaso para recalcar cuáles han sido los mejores montajes y señalar, además, alguna obra que, por distintos motivos, si no ha sido grandiosa sí que ha conllevado detalles sobresalientes. Primeramente, es justo reconocer que algunas de las versiones o adaptaciones de clásicos (antiguos o de nuevo cuño, de aquí o de otros lares) han ofrecido facturas encomiables. Como fueron La fiesta del viejo, con la idiosincrasia argentina para traer a la actualidad El rey Lear (lo pudimos disfrutar durante muy pocas fechas en El Umbral de Primavera). Sigue leyendo

Los esqueiters

Nao Albet y Marcel Borràs aúnan skate y filosofía en un breve espectáculo que carece de suficiente profundidad

A priori es una gran idea reunir en una obra teatral el mundo del skate y el de la filosofía. Principalmente por ser inédito y porque viene elaborado por una pareja de comediantes que se lo come y se lo guisa mucho, y de manera muy talentosa, como ya demostraron en Mammón. Pero en esta ocasión, Nao Albet y Marcel Borràs no han encontrado una conceptualización más madura sobre la cuestión, y han creado un espectáculo demasiado superficial. Si miramos más allá de las actuaciones puramente performativas, ya sean coreografías irónicas de unos tipos vestidos como Descartes o esas posturas ralentizadas que imitan trucos con el patín o la presencia de auténticos skaters deambulando por las tablas sin la posibilidad de ejecutar poco más que unos ollies o algún no comply (poco esfuerzo para esta gente). Si partimos del idealismo socrático ―defendido absolutamente por su discípulo Platón―, apoyado en que el conocimiento nos hace libres; y a esto le unimos la sensación de libertad que cualquier skater experimenta, ya tenemos la mezcla para tirar del carro. Partamos de que lo persuasivo de patinar sobre un monopatín ―en España se ha patinado mucho desde finales de los ochenta―, es que introducía un modo de vida entre la expresión artística, el deporte, una estética peculiar y, sobre todo, el tiempo en la calle, entre el vandalismo y el vagabundeo que desea exprimir la ciudad y sus adminículos de otra manera. Destrozar bancos, saltar por unas escaleras, grindar en barandillas, buscar soportales y pasadizos en los inviernos lluviosos. Sigue leyendo

Mercaderes de Babel

Jose Padilla adapta El mercader de Venecia para deconstruir el juicio a Shylock y cuestionar su validez hoy en día

Foto de Ana Pizarro

Las referencias más cercanas y habituales en referencia a esta obra nos llevan a la versión cinematográfica de Michael Radford con Al Pacino de protagonista, y a la adaptación teatral de la Compañía Noviembre que presentó hace unos años, con la sobresaliente actuación de Arturo Querejeta. Por otra parte, entronca estéticamente con las propuestas de Venezia Teatro (véase Los desvaríos del veraneo) y con la insistencia posmoderna y moralista de fustigarse al reponer una obra con claros tintes antisemitas. Un pedir perdón por tamaña tropelía artística (con la que ha caído durante el siglo XX). Es un enfoque que ya hemos percibido en otras ocasiones en los últimos años (véase La fierecilla domada, de La Dalia Negra). Así que la versión de Jose Padilla es una pretendida deconstrucción del clásico shakesperiano a modo de juicio del propio juicio a Shylock. Desgraciadamente el desastre no se hace esperar. Para justificar lo visto en el estreno podemos aducir que se presenta un montaje incipiente, en absoluto terminado (Carlos Aladro, nuevo director del Teatro de La Abadía, lo presentará allí en octubre), una cosa low cost para los de Complutum. O quizás esto es exactamente lo que han querido realizar, no sé. El recorte de subtramas y del propio argumento es enorme, y los saltos en el tiempo hacia atrás y hacia adelante generan desconcierto en los espectadores menos avisados, y la incredulidad se extiende. La historia se centra esencialmente en el juicio donde Antonio, quien está próximo a la ruina, y el judío dirimen su enfrentamiento por el préstamo que el primero debe pagar. Sigue leyendo

Un peral entra por la ventana

Una comedia salpicada de diálogos ingeniosos con trasfondo de lucha generacional en el contexto contemporáneo de la ecología y la nueva izquierda

Lucha generacional y desplante familiar para una comedia certera y repleta de diálogos inteligentes que acentúan con pujanza las incongruencias de nuestros más acérrimos ideales. Podemos intuir una influencia muy cercana con el Tío Vania de Chéjov; aunque llevado a un presente que nos toca de cerca. No es solo el desencanto por el fracaso o un atisbo de amor quebrado o la cuestión del ecologismo; sino aquellos aspectos freudianos sobre la relación ancilar con los padres. El tono es de inteligencia melodramática a lo hermanos Marx; pero la recursividad tan apremiante ―cómo las frases van y vuelven insistiendo en la misma idea hasta barrerla o remarcarla en el absurdo―, resuena a Billy Wilder, a Ernest Lubitsch o a Howard Hawks. La ironía es un arma que hiere en dos tiempos, en la punzada y en el recuerdo; luego no queda más remedio que sacar la artillería dialéctica. El texto de Marcos Fernández Alonso está hilado con ese estilo brillante manifestado en unos diálogos bien pulidos ―sobre todo, la primera parte―; pero que da la impresión de que necesita despojar su argumento de profundidad política. Porque inicialmente contamos con Antonio Romero, el auténtico protagonista, un joven talludito que debe regresar al casón de su madre, para recuperarse de su derrota empresarial, una cooperativa agrícola y sagradamente ecologista que «sufrió» las maldades de un hongo que bien podía haber sucumbido a los habituales pesticidas de la industria. Sigue leyendo

Hay que tirar las vacas por el barranco

Una propuesta teatral austera y directa sobre la esquizofrenia, basada en cinco historias de casos reales

Apostarlo todo al texto. Así, casi a palo seco. Frente a un micrófono. Desvestir al drama de lo dramático, al teatro de sus elementos estéticos, de la subjetividad percutida por la retórica, por la interpretación, por la emoción encontrada al final de un acibarado trago. Hay que tirar las vacas por el barranco se aproxima peligrosamente a la objetividad del periodismo o al testimonio confesional. Cinco relatos que podrían ser diez o quince ―por lo visto, en algún momento, fueron cuatro― sobre la esquizofrenia, sobre el trastorno mental. Son duros, claro; pero, aunque muchos de estos enfermos vivan apartados de la sociedad o profundamente empastillados y vigilados entre nosotros, lo cierto es que el tema resulta recurrente en la literatura, el cine y el arte en general. También en la prensa, por supuesto. Parece que nos alivia saber que ocurrió esto y aquello, y que fue debido a un trance de locura. Una excusa que nos aleja del auténtico mal, que es aquel que no comprendemos. Todo lo que escuchamos se basa en el libro Las voces del laberinto (2005) del periodista Ricard Ruiz Garzón (1973), quien recoge hasta quince historias reales para desentrañar la susodicha cuestión. Es innegable la importancia de lo tratado; pero no lo considero suficientemente persuasivo teatralmente este montaje del venezolano Orlando Arocha. Entiendo su decisión estética: despojar la escena de todo aquello que nos pueda despistar. No obstante, mantenernos a la escucha de Diana Volpe, que es la primera, sentada en una silla frente a una mesa y un micrófono para monologar durante más de veinte minutos, es aceptable. Que el resto sea similar, nos adentra en la monotonía expresiva. Sí existe una interpretación, evidentemente; pero hacerlo de manera tan estanca y tan comedida, me parece que nos disuade de la conexión íntima. Sigue leyendo