Alexander Zeldin relata los avatares de su madre a través de un espectáculo de aire novelístico repleto de efusiones existenciales y políticas
Compararemos inevitablemente esta obra con Madre, de Wajdi Mouawad, que él mismo subió a estas tablas de los Teatros del Canal hace unos meses. Las similitudes son evidentes en cuanto a que se observa la mirada del hijo, la admiración y la contemplación de unas épocas mucho más duras que las actuales, en general, en nuestro ámbito occidental. Alexander Zeldin nos traslada los avatares de su progenitora para dar cuenta de toda una serie de peculiaridades que son las que nos deben motivar, más allá de que a él le incumba lo común y lo cotidiano.
Al comienzo, irrumpe por un lateral hasta el escenario Amelda Brown, muy segura de sí, una actriz que hace de madre, que pululará por aquí y por allá desdoblándose en otros personajes, y permaneciendo como espectro testifical. Nos soltará que su vida no es interesante. Y puede que tenga razón, pues en las primeras andanadas todo resulta bastante convencional o, si se quiere, costumbrista. Estamos en Australia; sin embargo, nadie dudaría en afirmar que posee todos esos rasgos estéticos que los americanos nos han transmitido a través del cine, esas películas realistas, un tanto conservadoras, de los años sesenta, en el entorno de la guerra de Vietnam. En una fiesta de fin de curso, tres jóvenes quieren ligar con unos marineros y alguna, incluso, se pone picantona. Luego, la representación de la familia prototípica, que intenta infundir unos valores tradicionales, donde la muchacha disuelva sus pretensiones individualistas y hedónicas, para asumir su papel de ángel del hogar. Por un lado, encuentro ese naturalismo un tanto melodramático, propio del Spielberg que hemos hallado en los Fabelman; aunque también encontramos esa espontaneidad caótica que mostró Krystian Lupa, igualmente en esta Sala Roja, con su Imagine. No obstante, el propio dramaturgo ha reconocido las influencias Annie Ernaux y de Édouard Louis, de que quien hemos conocido varias obras suyas, pero más en relación a su padre.
A mí esta obra me parece muy interesante en cuanto que señala un periodo del feminismo verdaderamente significativo y que parece desvanecerse en el narcisismo que hoy impera. Mujeres que se enfrentaron a su realidad para emanciparse y realizar su vida, que marcaron sus límites, evidentemente solo algunas lo consiguieron. Aquel empoderamiento auténtico supuso decisiones desgarradoras que iban contra lo aprendido y, sobre todo, contra lo ordenado de manera falaz, ya fuera por vía maternal y paternal, ya matrimonial. Así vemos cómo le ocurre a nuestra Alice, encarnada por Hannah Morrish, quien tiene la oportunidad de echarse el montaje a sus espaldas y evolucionar con gran verosimilitud. En una de las escenas más patéticas, evidenciaremos cómo Graham, su marido, quien regresa de la batalla, se comporta como un mequetrefe, como un hombre débil, brusco, que exige dejarla embarazada como si aquello fuera un trámite de cara a la galería. Jacob Warner expone su nerviosismo con gran elocuencia.
Está claro que se quiere contar mucho y esto, a veces, nos destina a lo novelesco sin que algunas etapas puedan trascender mayormente. La diferencia del primer acto con el último es patente. En aquel los diálogos son fértiles y en el otro se vuelven más sintéticos y melancólicos. En cualquier caso, la idea del perdón, en la que se insiste a lo largo de la función es evidente. Ya que tenemos un momento clave, una violación, que sucede en ese ambiente artístico y literario, muy hippie en el que se introduce nuestra protagonista. El estudio de un viejo pintor es el lugar donde acontece. El ejecutor es un tipo fanfarrón, con él hálito de la poesía y su discurso académico, que aborda a su víctima en el cuarto de baño. La acción está oculta para nosotros, pero el silencio sostenido del artista es más que elocuente.
Además, la respuesta a esta tropelía tiene que ver mucho con la rebelión expelida en la contracultura. Así, podemos pensar en Germaine Greer, feminista australiana, cuando contemplamos a la actriz Pamela Rabe establecer tajantemente que hay que dejarlo pasar, que hay que tener fortaleza y enfrentarse a todos esos hombres, sin ataduras. Tengamos en cuenta que aquí se quiere materializar el célebre dictum de Simone de Beauvoir: «No se nace mujer, se llega a serlo».
Por supuesto, destaca el movimiento escenográfico, esa fluidez con la que las estructuras se mueven y se cambian los decorados, mientras suena la banda sonora de Yannis Philippakis, con ciertos tonos de rock progresivo y elementos distorsionadores que inciden en las angustias de nuestra heroína. Todo el espacio es aprovechado al máximo, incluidas las butacas, donde se hospedan, en ocasiones, los actores; aunque esto suponga un uso molesto de las luces de sala.
Las confesiones es un espectáculo que nos permite inmiscuirnos en una de esas existencias ejemplares de tiempos cercanos. Salirse de lo establecido nos empuja a la intemperie, donde suele hacer frío.
Las confesiones
Director: Alexander Zeldin
Reparto: Amelda Brown, Jerry Killick, Lilit Lesser, Brian Lipson, Hannah Morrish, Pamela Rabe, Gabrielle Scawthorn, Jacob Warner y Yasser Zadeh
Diseño de escenografía y vestuario: Marg Horwell
Movimiento y coreografía: Imogen Knight
Diseño de iluminación: Paule Constable
Música: Yannis Philippakis
Diseño de sonido: Josh Anio Grigg
Director de casting: Jacob Sparrow
Directora de casting en Australia: Serena Hill
Directora asociada: Joanna Pidcock
Coordinadora de intimidad: Katharine Hardman de EK Intimacy
Apoyo dramatúrgico: Faye Merralls, Sasha Milavic Davies
Directora de voz: Cathleen McCarron
Apoyo para el dialecto: Louise Jones, Jenny Kent
Producción: A Zeldin Company / A Zeldin Compagnie
Encargo de: The National Theatre of Great Britain, RISING Melbourne y Les Théâtres de la Ville de Luxembourg
Coproducción: Wiener Festwochen, Comédie de Genève, Odéon-Théâtre de l’Europe, Centro Cultural de Belém, Théâtre de Liège, Festival d’Avignon, Festival d’Automne à Paris, Athens Epidaurus Festival, Piccolo Teatro di Milano – Teatro d’Europa, Adelaide Festival, CDN de Normandie-Rouen.
Alexander Zeldin es Artista Asociado del National Theatre of Great Britain, Odéon-Théâtre de l’Europe, Les Théâtres de la Ville de Luxembourg y Centre Dramatique National de Normandie-Rouen
Compagnie A Zeldin tiene el apoyo del Ministerio de Cultura de Francia (DRAC Île-de-France)
A Zeldin Company tiene el apoyo de The Astra Foundation
Patrocinadores de la producción: Nancy y Michael Timmers, David Schwimmer, Cas Donald, Elisabeth de Kergorlay, Mazdak Rassi and Zanna Roberts Rassi, Andrew and Raquel Segal, Victoria Reese and Greg Kennedy, Studio Indigo Architects & Interior Designers
Teatros del Canal (Madrid)
Hasta el 12 de abril de 2024
Calificación: ♦♦♦
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La impresión que nos ha generado la invasión de Ucrania, sumada al destrozo de Gaza en estos momentos, es más que suficiente para inspirar este montaje tan potente en su puesta en escena. Nos hallamos en tierra de nadie. Un par de individuos empujan una casa ambulante, como el carro de Madre Coraje. Crezk es un tipo estrafalario, un traficante de armas, que más parece un chamarilero, que intenta hacer sus negocios a través de una radio portátil. Su territorio dice llamarse Osel, como si fuera un aspirante a señor de la guerra. Luisfer Rodríguez le imprime un subyugante rictus entre vesánico y bufonesco. 
Que la cuestión climática salte a escena tiene su lógica; aunque lo cierto es que hasta ahora los dramaturgos y las compañías no se han puesto manos a la obra. La Rueda Teatro ha triunfado con su propuesta y su proyecto ecologista y a mí me sorprende que alguien haya llegado a algún tipo de conclusión o, incluso, de reflexión más o menos elaborada sobre lo que aquí se trata. Hablo, evidentemente, de superar las consabidas consignas sobre el calentamiento global que, hoy en día, son un totum revolutum, donde entra la contaminación en las ciudades y en el mundo, el decrecimiento, el anticonsumismo, la ecología idealista y fantasiosa, el uso del agua, etc. El agujero de ozono se cierra, subirán lo océanos, unos continentes de bolsas permanecen anclados en distintos mares, el deshielo de los polos parece que sigue su proceso… Añadámosles conspiraciones como los cheimtrails o la pasada pandemia para que vivamos en la suprema incertidumbre que algunos sufren con el rimbombante término de ecoansiedad. 
Continúa su andadura artística Andrea Jiménez después de tantos años con su compañía Teatro en Vilo. Permanecen sus intentos de hallar nuevas maneras de proceder, y sigue con algunas de sus señas de identidad. Reconozco la frescura que ha manifestado en otras propuestas (por ejemplo, 
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