Animal negro tristeza

Julio Manrique nos inserta en un incendio para recrear la obra de Anja Hilling, una historia de combustión existencial

Animal negro tristeza - David Ruano
Foto de David Ruano

Desde que las producciones posdramáticas se han ido imponiendo como proceder moderno (las décadas pasan y pasan) en la escena contemporánea europea, la invasión de las artes novelísticas, de las artes de contar (que no del mostrar, como debe ser en el teatro), en los dramas uno ya no acude a las salas a degustar el acontecimiento que delante de uno se recrea, sino que asiste a una donación propia de su imaginación. No diré que el texto firmado en 2007 por la alemana Anna Hilling es tan abusivo como alguno de los proyectos de Guy Cassiers (véase Orlando o Antigone in Molenbeek + Tiresias) o como aquella Sopro de Tiago Rodrigues, o de aquellos abusos narrativos de varios de los proyectos de nuestro Pablo Remón (y podría continuar con otras narraturgias patrias). El amor al micrófono más que sorprenderme me cansa y me sigue pareciendo un truco falaz contra la esencia del teatro.

Lástima me ha parecido que Julio Manrique, que me parece un director atrevido (véase Jerusalem), nos muestre este Animal negro tristeza en español, en el Matadero, sin estar completamente afinado —más allá de un fallo técnico que obligó a parar la función—. Esperemos que ustedes puedan disfrutar del montaje con el brío y el ritmo pertinentes; porque Màrcia Cisteró, quien se encarga de las extensas descripciones de todo, ya sea del espacio o de los personajes, como si fuera una narradora omnisciente, está muy dubitativa y la pronunciación se le trastabilla. También les ocurre a otros intérpretes, pero no es tan pronunciado. Por otra parte, me pregunto qué ocurriría si se renunciara a esa parrafada que nos atenaza y que nos dirige en exceso. Bueno, la propuesta se entendería; aunque algunos detalles sobre las relaciones de los protagonistas se quedarían en el tintero. La novelización de la tragedia nos da demasiada información, en cualquier caso. Por eso, cuando esa narración se disgrega en las expresiones autoconfesionales de cada personaje, cuando se narran a ellos mismos, o cuando dialogan, la pieza gana enormemente y nos deshacemos de las explicaciones.

Dicho esto, atentos, ¡cómo mejora este espectáculo en su segunda parte! La enormísima deflagración, el bosque ardiendo, y las vidas anodinas de esos desangelados comienzan a extraer su humanidad o, lo que es mejor, lo que queda de ella a pesar de todo. Ahí la dramaturga demuestra un mérito enorme en la demarcación sicológica (me corregiré más adelante). Puesto que, hasta ese instante de clímax, el asunto huele a trasnochada y cansina barbacoa en medio de una frondosa arboleda de un grupo de individuos (entre los treinta y los cincuenta) que demuestran su desencanto vital con ironía sardónica, agarrándose unos a otros en la autodefensa emocional; porque la soledad más absoluta los acecha. Mima Riera, que hace de Miranda, ha acudido con su bebé Gloria. En ella, observamos con gran claridad cómo en esta obra se nos exige mirar desde mucha distancia, hasta el punto de que la frialdad es preponderante en las expresiones y el pavor. Cuando llega el fuego, el discurso es interno, seco, propio de un forense que va detallando los daños como un funcionario que administra los datos del horror sin inmutarse. Al menos ella danza, como un alma huyendo de las llamas para siempre. Y este proceder enmascarador luego se concentra en su marido, Paul, un Ernest Villegas altamente ensimismado por su ambición como arquitecto que recibirá una oferta para viajar a Tanzania. Es el ejemplo de cómo la herida lo corroe, mientras nos despista con su coraza. Se ha salvado (no revelaré la lista de fallecidos), ha conseguido evitar la deshidratación plena, y se ha refugiado en casa de unos lugareños para ayudarles a recuperarse del desastre. Una penitencia en el shock. Estos —ahora sí, Màrcia Cisteró fluye hablando en catalán a su esposo, un Norbert Martínez, que ha sido responsable hasta el momento de inmiscuirse musicalmente en la acción—. Los otros amigos se compactan de una manera harto azarosa; pero muy comprensible por la personalidad que deducimos. Mireia Aixalà, que hace de Jennifer y que es la exnovia de Paul, es uno de esos eslabones más patentemente «débiles», pues aún sigue enamorada del susodicho; aunque ahora tenga a un nuevo compañero. En ella percibimos una humanidad que anhela brotar. No así en ese nuevo novio, el tal Flynn, que interpreta de la manera más sosa Joan Amargós. Pensemos que aporta un macabro punto de humorismo, ya sea por su actitud tan desencantada de músico que hace versiones pop y que tiene dentadura postiza debido a un puñetazo insolente. Es un personaje que se me escurre y que pierde credibilidad cuando parece que sorpresivamente puede terminar emparejándose con Martin, el mayor de todos, el más soberbio y adinerado. David Vert sí tiene su carácter aprehendido y muestra su suficiencia desde el primer instante y lanza su papel hasta el insoportable engreimiento, capaz de abandonar a Oskar, el hermano de Jennifer, un artista con claras inseguridades en su haber. Un Jordi Oriol que, como le ocurre a su hermana (otra lógica más), es el otro personaje que nos deja ver en su interior y en su desgarro.

Otro punto fundamental del montaje es la pretendida inmersión de los espectadores en el interior del bosque. Sinceramente, ya que ocupas la nave principal del Matadero, se podría haber sido todavía más ambicioso, y mira que lo han sido; no obstante, yo hubiera querido quemarme más, hubiera querido oler más la carne quemada desde dentro. Pero sí, el fuego está en toda su magnitud, pues así lo han dispuesto con ingenio Alejandro Andújar, experto en estas lides, y Francesc Isern con las proyecciones (y que no falten las imágenes de la camarita en mano, que esto es posteatro. Micrófono y cámara. Es el obligado pack). Luego, son fundamentales la iluminación de Jaume Ventura, pues no es sencilla la combinación de efectos que se conjugan en ese espacio; y el sonido Damien Bazin, quien potencia nuestra imaginación con el crepitar terrible.

El verdadero valor de esta obra es, a pesar de que resulte un tanto repetitivo ya, el retrato social actual de los supuestamente bien avenidos. Es otra vez la visión pesimista, a través de un narcisismo que cancela la empatía. Aunque realmente, lo que podemos valorar como espectadores es que el hecho real del incendio, producto de la irresponsabilidad, no precisamente de unos ignorantes domingueros, sino quizás de unos altivos que van de sobrados y a los que poco penalizan sus tropelías cívicas. Y, también, el incendio metafórico, observado por esa mirada a la que me refería antes del forense. Es una mirada casi antropológica o etológica mejor, pues se ajustaría a ese título tan elocuente como Animal negro tristeza.

Función grandilocuente, demasiado novelística (en todo su sentido formal), larga; pero que debemos observar y vivenciar porque merece la pena introducirse en ese acontecimiento abisal.

Animal negro tristeza

De: Anja Hilling

Traducción: Maria Bosom

Dirección: Julio Manrique

Con: Mireia Aixalà, Joan Amargós, Màrcia Cisteró, Norbert Martínez, Jordi Oriol, Mima Riera, David Vert y Ernest Villegas

Diseño de escenografía: Alejandro Andújar

Diseño de iluminación: Jaume Ventura

Diseño de vestuario: Maria Armengol

Diseño de sonido: Damien Bazin

Diseño de videoescena: Francesc Isern

Diseño de movimiento y coreografía: Ferran Carvajal

Ayudante de dirección: Ferran Carvajal

Estudiante en prácticas (Institut del Teatre): Esteve Gorina i Andreu

Colaboración en la traducción: Goethe Institut

Una producción de Sala Beckett y Teatro Español

Naves del Español en Matadero (Madrid)

Hasta el 20 de mayo de 2022

Calificación: ♦♦♦

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Erresuma / Kingdom /Reino

Una antología de atrocidades extraídas de las tragedias históricas de William Shakespeare se presenta en las Naves del Español en Matadero. Un espectáculo carente de hilo conductor y arrojado a la pura provocación de la sangre

ERRESUMA KINGDOM REINO EG CASTELLANO
Foto de Moreno Esquibel

Diría que es mala suerte que el prestigioso director belga Jan Lauwers presentara su Billy’s Violence precisamente en el Matadero hace unos meses. El espectáculo, que giró por algunas ciudades españolas, era una sanguinolenta demostración de las atrocidades que aparecen en las obras de Shakespeare, centrada principalmente en las víctimas femeninas. Ahora Calixto Bieito presenta su montaje Erresuma / Kingdom / Reino para hacer algo muy parecido en fondo y en forma; y, encima, para que lleguemos a la misma conclusión: la violencia por la violencia como arte de la provocación. Una manera de exprimir aún más la naranja mecánica shakesperiana. Y es que, usar al poeta inglés, es, ante todo, una técnica de marketing; una vez nos alejamos de sus escritos y de su época con tanta promiscuidad.

Texto completo en la revista cultural de El Mundo La Lectura

Erresuma / Kingdom / Reino

Tragedias históricas de William Shakespeare

Basada en los dramas históricos de Ricardo II, Enrique IV, Enrique V, Enrique VI Ricardo III

Versión, dirección y espacio escénico: Calixto Bieito

Con: Joseba Apaolaza, Lucía Astigarraga, Ylenia Baglietto, Ainhoa Etxebarria, Miren Gaztañaga, Iñaki Maruri, Koldo Olabarri, Lander Otaola, José María Pou, Eneko Sagardoy y Mitxel Santamarina

Diseño de vestuario: Ingo Krügler

Diseño de iluminación: Michael Bauer

Ayudantes de dirección: María Goiricelaya y Ane Pikaza

Ayudante de vestuario: Paula Klein

Una producción de Teatro Arriaga de Bilbao en coproducción con Teatro Español de Madrid, Teatro Principal de Vitoria-Gasteiz, Teatro Victoria Eugenia de Donostia y Muxikebarri de Getxo

Naves del Español en Matadero (Madrid)

Hasta el 10 de abril

Calificación:

Oceanía

Carlos Hipólito encarna a Gerardo Vera en una pieza que nos sirve para descubrir la infancia y la juventud del fallecido dramaturgo y cineasta

Oceanía - Foto de José Alberto PuertasResultará inevitable para gran parte del público al que va destinado concretamente este espectáculo identificar ipso facto la voz de Carlos Hipólito con la del narrador de Cuentáme cómo pasó. Son demasiadas temporadas y, además, el actor trae a este montaje unas formas que tienen que ver mucho con un contador de historias. Su alocución se recrea con cierto deleite con las frases y con las palabras para que se suspendan en el aire como si esto fuera el radioteatro que tanto abundaba antaño, y que él mismo ha practicado en eventos especiales en los últimos tiempos. Ahora, ¿por qué debería interesarnos un montaje así, donde Gerardo Vera dejó escrito un texto sobre su juventud? Por un lado, porque reproduce parte de esa posguerra de los vencedores, y eso ya conlleva cierta originalidad en nuestra época; y, por otra parte, porque resultan atrayentes algunas de las peculiaridades que lo destinaron al mundo del espectáculo. Sigue leyendo

Un hombre de paso

Antonio de la Torre se encarna en Maurice Rossell para detallar su experiencia como visitador de la Cruz Roja durante el holocausto en un montaje anodino

Un hombre de paso - Foto de Belén Vargas
Foto de Belén Vargas

No sé qué es peor, sin lanzarse de lleno al teatro verbatim, como, por ejemplo, llevaron a cabo Jordi Casanovas y David Serrano con la obra Port Arthur, o dramatizar imaginariamente un encuentro a partir de una serie de documentos fehacientes, en este caso, una entrevista. La primera opción parece que ha subido a los escenarios franceses en más de una ocasión. Es decir, tomar precisamente la entrevista a Maurice Rossell que grabó Claude Lanzmann en 1979, mientras estaba enfrascado en su monumental Shoah. Concluyó que aquel material merecía una película aparte (esta se publicaría en 1997). Sigue leyendo

Noche de Reyes

Helena Pimenta y Álvaro Tato llevan al Matadero su visión taciturna de la comedia de Shakespeare

Noche de Reyes - José Alberto Puertas
Foto de José Alberto Puertas

En 2013, la compañía británica Propeller demostraba cómo se puede exprimir una comedia como Twelfth Night hasta el punto payasesco. Decía Harold Bloom que las versiones sobre esta obra descarrilaban si no tenían un ritmo rápido. Y este es uno de los grandes fallos de la mirada que han proyectado Álvaro Tato y Helena Pimenta. Y se da así porque se han tomado una serie de decisiones estéticas y éticas, que convierten esta propuesta en un espectáculo demasiado melancólico y limpio. Si la acción transcurre en Iliria, nosotros pensaremos que estamos en el canal de la Mancha, en Dover, por ejemplo, en los años de la Primera Guerra Mundial. El vestuario de José Tomé y Mónica Teijeiro así lo manifiesta con bombines y cascos militares; y su propia escenografía, un retablo naíf con oleaje al fondo, refuerza la idea. Sigue leyendo

La infamia

El secuestro de la periodista mexicana Lydia Cacho salta a escena en un espectáculo inmersivo de teatro documento

La Infamia - Foto de José Alberto PuertasHace poco menos de un mes nuestro gobierno le concedía por carta de naturaleza la nacionalidad española a Lydia Cacho. Su vida corría y corre peligro, como le ocurre a los auténticos héroes contemporáneos, esos, como muchos periodistas mexicanos, que se juegan literalmente el alma en pos de unas verdades que aspiran a mejorar sustancialmente el mundo. La biografía de esta gran mujer merece, desde luego, recrearse dramatúrgicamente, y nosotros tenemos la obligación moral de atender su denuncia, pues todo indica que, de algunos países como el suyo, solo brotan las puntas del iceberg. Sigue leyendo

A nosotros nos daba igual

Helena Tornero propone cinco historias cruzadas de jóvenes españoles descendientes de los inmigrantes que han llegado en las últimas décadas a España

A nosotros nos daba igual - Foto de Jesús Ugalde
Foto de Jesús Ugalde

Viene esta obra muy a cuento, porque refleja unas vidas que pueden servir de ejemplo de lo que muchos jóvenes españoles, descendientes de inmigrantes, con rostros, con cuerpos y con rasgos culturales diferentes a los de la mayoría perciben. Nacionalidad española en sus carnés, nacidos aquí, pero eternamente chinos (de China, o del país oriental que a cada uno se le pase por la cabeza en su ignorancia) o negros en su gama dermatológica demarcadora (o ponga usted la tez que considere y que es indicio de tropecientas mil elucubraciones). Si no es la piel, será el acento, el idioma, el pueblo, la ropa, la pasta, etcétera, etcétera. No obstante, aquí vamos a algo más concreto. La paradoja es que los cinco protagonistas, unidos por el concepto de «extranjeridad sostenida», forman un grupo heterogéneo que implica una mirada —más allá de lo que su civilidad y su razón les exija— que adem requiere preguntas entre sí. Incluso, ellos mismos, ha de pensar uno, también harán lo propio con aquellos con los que se topen y no «parezcan» de aquí. ¿O es mejor ir por el mundo sin prejuicios y no inquirir nada de nadie? Prueben a ir por la calle sin prejuicios, en el significado más claro del término, a ver cuánto tardan en llevarse el batacazo. Anulen su experiencia y su propio método científico, cancelen su lógica y su sentido común, ya se darán cuenta de cómo se mete verdaderamente la pata y se causa más daño. Y sí, tiene que ser una molestia enorme que la gente siempre piense que eres de fuera y te pregunte. Mala solución vamos a encontrar. Pero, se imaginan que nadie se interesara amablemente por saber de dónde viene —y todo lo que eso supone—, a un muchacho o muchacha que llega nuevo a un instituto, y así, a bote pronto, uno va a pensar (como ocurre tantísimas veces) que no es de «aquí». Todo esto no quita para que seamos conscientes de que en España se dan focos de racismo. Desde luego, no podemos permitir que esta absurdez se convierta en un problema generalizado. Que este montaje sondea estas perspectivas nos pone en alerta y nos compromete desde una serie de discursos, felizmente, no tendenciosos ni sesgados en demasía (un alivio). Personales, subjetivos y matizables, sí. Con este enfoque, Helena Tornero ha escrito un texto equilibrado, interesante y peculiar a través de una estética autoficcional; aunque, por lo visto, con más ficción de la que nos podamos imaginar. Verosímil, en cualquier caso. Sí que debemos reconocer que la estructura y los procedimientos teatrales que se adoptan, en primera instancia, antes de que podamos profundizar, pueden resultar un tanto cansinos para los teatreros. Este lenguaje del yo flanqueado de documentos que confirmen las elocuciones, ya lo estamos viendo demasiado en los escenarios españoles. Sin irnos muy lejos, puedo señalar Cluster y País Clandestino, obras corales con un dispositivo bien similar. Historias particulares intercaladas. Anecdotario general. Incursión biográfica. A nosotros nos daba igual posee un distanciamiento y un extrañamiento que la hace llamativa, pues la mayoría de los espectadores no reconocerán a esos individuos como «españoles», en el sentido, que quede claro, de lo que justamente denuncian en escena. Ser o no ser, esa es la cuestión. Y hay tantas formas de ser hoy en día, que el conflicto está garantizado. Así es nuestro país, moderno y avanzado, de cuarenta y siete millones de habitantes, con nuevos inquilinos allende los mares que antes eran anecdóticos, con una densidad de población en algunas localidades realmente apreciable (acepten que tener prejuicios en una ciudad de provincias con sus sesenta mil almas es irremediable. No veamos maldad, si no la hay). Por su parte, Ricard Soler hace un trabajo de cohesión muy consistente; ya que logra que todas las piezas fluyan de manera precisa desde el principio hasta el final. Para ello, se ha rodeado de un elenco que, afortunadamente, no está ahí solo por su aspecto. Poseen dotes; aunque falte un poco de rodaje. Ganan en la agilidad de sus movimientos por la escenografía que ha ideado Boromello, y que, en la búsqueda de la diafanidad, ha situado dos alturas (muy parecida a la escenografía de Diego Ramos que vimos en ese mismo espacio para la obra Antígona). Desde luego, da pie para que bailen, salten y creen atmósferas imaginarias de todos aquellos lugares que visitamos con ellos. Interpretando múltiples papales que surgen de improviso por doquier logrando mantener nuestra atención. Y como suele ocurrir con este tipo de espectáculos, la forma aplaca un tanto el contenido; porque cada relato podría tener su profundidad de manera individualizada; no obstante, el asunto no deja más que para atisbar problemas de mayor calado. Así lo descubrimos con Hai, interpretado por el bailarín (trabaja con Sol Picó) y coreógrafo Junyi Sun —cómo se afana corporalmente, es extraordinario, combinando algunos pasos con gestos propios de las artes marciales. Suyas son las coreografías que contemplamos y que recargan cada tesela—, nos deja patente la idiosincrasia china (cualquiera que conozca mínimamente a esta comunidad entenderá que algunos estereotipos se cumplen bastante). Asimilar la cultura española y desprenderse de la china, es un movimiento del todo abrupto. Con él hallamos la importancia de los progenitores, de los familiares, cómo una visita al país oriental lo dispone hacia la extrañeza total, hacia el enmascaramiento y hacia la búsqueda de pareja (en España, la cosa está complicada). Choques culturales muy interesantes que también dicen mucho de las costumbres españolas frente al mundo. Con otra visión viene Neus Ballbé, que hace de Juana y nos habla de los Conguitos (es ya un tópico del acoso escolar, con mayor o menor grado de intensidad), y de República Dominicana. Nos quedamos con las ganas de poder ahondar más en la disputa familiar, y en las sospechas del pasado esclavista. Creo, en este sentido, que Tornero encaja dos asuntos bien diferentes; pero que resultan un pegote. El primero tiene que ver, precisamente, con esa documentación de tropelías sobre el esclavismo español. Una ristra de hitos que expone rauda e irónicamente más como un guiño, una indirecta que como una acusación o exploración dramatúrgica con una consistencia crítica. El segundo serían los textos clásicos que trufan la propuesta. Escuchamos a Calderón, a Lope o a Claramonte con El valiente negro en Flandes, que interpretó en su momento Nacho Almeida (a quien recuerdo en Romeo y Julieta, Estrellas cruzadas). Se entiende la idea; aunque pienso que es más otra queja, que un desarrollo problemático. El actor es quien más muestra su pesar, en el desenlace, sobre el habitual hecho de tener que interpretar a narcotraficantes, manteros, etcétera. Él, claro, (quién no) anhela meterse en la piel de Segismundo, de Hamlet… El tiempo, como ocurre en otros países con mayor mezcla que el nuestro, irá permitiendo una realidad más variada y compleja; entonces, en aras de la pertinaz verosimilitud exigida en la mayoría del cine y de las series (algo menos en el teatro, pero poco menos) será más «normal» que otras «pieles» y otros rasgos ocupen otras posiciones. La historia inmigratoria española es corta. En cuanto a Beatriz Mbula, con el personaje de Alma, hay que reconocer que es una pena que no se detalle más aquella brutalidad de Macías, cuando ordenó matar a maestros y profesores en Guinea Ecuatorial en su lucha «antiintelectual». En otro camino se encuentra Zaida, una sevillana con ancestros marroquíes, que María Ramos acoge con potencia oratoria. Con ella se quiere mostrar parte del mundo árabe; pero, curiosamente, apenas se reflejan los aspectos religiosos, cuando para una gran parte de estos jóvenes es un tema de gran trascendencia. Mucho más si viaja hasta Marruecos para visitar a sus abuelos, primos, etcétera. Sinceramente, es uno de los relatos que más me descoloca. A pesar de ello, ya digo, cada historia daría para penetrar hasta vericuetos imposibles con cada uno de ellos, y entre ellos mismos (algo que aquí no se cubre). Esta es ya, definitivamente, nuestra nueva realidad en España y así será para siempre. Todavía, pienso, nos encontramos en un periodo de transición, y es lógico que los hijos de aquellos que han venido en las últimas décadas desde otros lugares del planeta, se sientan «desencajados» cuando reciben las habituales preguntas sobre su origen. Valga esta obra teatral para sondear su terreno.

 

A nosotros nos daba igual

Texto: Helena Tornero

Dirección: Ricard Soler

Reparto: Nacho Almeida, María Ramos, Neus Ballbé, Junyi Sun y Beatriz Mbula

Escenografía: Monica Boromello

Iluminación: Adriá Pinar

Vestuario: Gelsomina Torelli y Anabela Rolanda Lubisse

Sonido: Lucas Ariel

Vídeo: Elena Juárez

Coreógrafo: Junyi Sun

Ayudante de dirección: Inés García

Una producción de Teatro Español y Teatre Nacional de Catalunya.

Naves del Español en Matadero (Madrid)

Hasta el 4 de julio de 2021

Calificación: ♦♦♦

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La plaga

La compañía Caramala desembarca en el Matadero para dar rienda suelta a sus peripecias cómicas a través de una sátira escolar

La plaga - Foto de Daniel Garrido e Isaías Sadaña
Foto de Daniel Garrido e Isaías Sadaña

Uno de los grandes atractivos de esta propuesta es que venga avalada por la dirección (y parte de la autoría) de Chiqui Carabante, pues él está detrás de la descacharrante trilogía Crónicas ibéricas (Desde aquí veo sucia la plaza, Herederos del ocaso y Algún día todo esto será tuyo). Pero hay que reconocer que La plaga, aunque posea gestos humorísticos que se mueven en el absurdo y en lo paradójico ahondando en el costumbrismo, es una pieza algo limitada en su despliegue textual y dramatúrgico. Vaya por delante que la sensación general es que observamos una trama que daría más para una pieza breve que para un espectáculo de más amplio recorrido; porque se percibe un argumento alargado en subtramas que no dan suficiente de sí. Esto lo vemos en la falta de desarrollo de algunos personajes secundarios, como alguna alumna que reforzara a la auténtica protagonista. Y es que la revolución que se atisba, tan solo se insinúa. Y, lo que resulta más llamativo, que, como podrá observar el espectador, no se produzca algún tipo de acontecimiento cuando se opta por la solución draconiana de raparle la cabeza a toda la chavalería (no vaya a ser que se tuvieran que ir de cuarentena a casa con sus mamás. Horror). En fin, rasurar melenas de niñas sin que se monte una hecatombe. Sigue leyendo

Las dos en punto

Esther F. Carrodeguas firma el texto sobre las Marías de Santiago de Compostela para un montaje carente de significancia

Las dos en punto - Foto de Jesús Ugalde
Foto de Jesús Ugalde

Resulta conveniente replantearse desde qué punto de vista se ha enfocado esta leyenda; porque, una vez terminada la función, uno se queda pasmado con tal insignificancia. Debe ser que para comprender el asunto o para acercarse con algo de medida es necesario vivir en Santiago de Compostela, y sospecho que allí, como ocurre en muchas ciudades y pueblos con sus personajes extravagantes (salvando todas las distancias: los heavies de Gran Vía), quedarán los retazos de una leyenda deshilachada. En definitiva, uno se sienta en su butaca de la sala Fernando Arrabal del Matadero, la grande (al montaje le sobra espacio por todos los lados; porque, claramente, es una propuesta destinada a un espacio más recoleto o, todo lo contrario, la misma calle), y aparecen dos señoras peculiares a hablar de no se sabe qué y a los setenta minutos, uno se levanta y se pregunta, ¿y ahora qué hago yo con esto? Sigue leyendo