Edipo

Paco Bezerra y Luis Luque firman en el Teatro Español una adaptación deshilachada del mito clásico

Edipo - Foto de Jesús UgaldeVolver a la figura clave del teatro sofocleo implica darle nuevos aires, ahondar en perspectivas inéditas y resignificar el símbolo esencial para demostrar que seguimos impresionados por su repercusión. Como han hecho otros tantos en los últimos tiempos, desde Sanzol hasta Sergio Blanco pasando por los portugueses Companhia do Chapitô o Gabriel Olivares con mayor o menor relevancia. Por ejemplo, debemos evaluar si el tabú del incesto sigue consternándonos de forma similar o si hasta nuestra supuesta liberalidad es capaz de quebrar un hecho tan oscuro. Paco Bezerra, quien ya intervino en otro clásico como Fedra, ha tramado un relato muy desigual en su intensidad y en su cohesión, que ha repercutido en la fallida dirección de Luis Luque. A lo mejor se buscado reconciliar a demasiados públicos con intereses diferentes. Sigue leyendo

Torquemada

Pedro Casablanc se transforma en múltiples personajes para retratar al célebre usurero galdosiano en un montaje esperpéntico

Por fin un espectáculo digno de la categoría de don Benito Pérez Galdós en este año de conmemoraciones y otros asuntos deletéreos. ¡Cómo no atisbar un esperpento avant la lettre en este Torquemada! La caricatura, la muñequización, la animalización y ese expresionismo que hiperboliza la podredumbre, lo chabacano y el tufo a ranciedad. Nos situamos en la época de mayor esplendor de nuestro novelista. En 1887 ha publicado Fortunata y Jacinta, y casi de seguido, con una actividad verdaderamente febril, después de otras cuantas obras como Miau (1888), se dispone a emprender su ciclo sobre este peculiar usurero. Sigue leyendo

Las criadas

Una asepsia sicótica sirve para envolver esta adaptación del ya clásico de Genet, con unas soberbias actuaciones de sus intérpretes

Foto de Jesús Ugalde

La obra de Jean Genet, no nos paremos a recordar su vida carcelaria, o la versión de Splendid´s que pudimos ver hace un lustro, continúa estremeciendo y debe ser un aldabonazo para aquellos abnegados que se arrodillan ante sus estupendos jefes. Paco Bezerra se ha inmiscuido en el texto del francés para lograr que la fuerza oratoria cobre nuevo vigor. A su vez, Luis Luque ha dirigido este montaje con sádica exquisitez en la gama de los contrastes. Ambos ya ocuparon esa sala del Matadero para descubrirnos El señor Ye ama los dragones. A priori, el argumento no entraña gran complejidad, dos criadas en un hogar burgués (imaginamos) juegan a envestirse de su señora, y a maltratarse igualmente. La dialéctica del amo y del esclavo hegeliana hace aparición; pues ellas se constituyen a través del deseo de su señora, es decir, esta requiere del deseo de sus siervas para determinarse como dueña; mientras que ellas, en inferioridad, necesitan sentir su utilidad. Está claro que esas dos criadas alcanzan la categoría de lo alegórico. En ellas no está su vida particular, sino su condición de siervas y proveedoras de un sistema, de una estructura desesperantemente sisífica. Solo a través del mal, de la rebelión, puede uno liberarse de esas cadenas tan opresoras. Será aceptable moralmente si el objetivo es la libertad, será deleznable; si la búsqueda es ocupar el puesto fustigador de los señores. Lo interesante es comprobar que no han sucumbido totalmente a la alienación; aunque, por ejemplo, Claire demuestre su acatamiento y su debilidad cuando está frente a la señora con la tisana deletérea. Sigue leyendo

El vergonzoso en palacio

La comedia de Tirso de Molina que dirige Natalia Menéndez se envuelve en un espectáculo visualmente muy atractivo, aunque carente de ritmo

El vergonzoso en palacio escena - Foto de Sergio ParraUna de las comedias palatinas más famosas del dramaturgo madrileño es esta que se representa contra viento y marea en el Teatro de la Comedia. Asistimos a un montaje grandioso en medios; tan llamativo en su manifestación escenográfica, como renqueante en el ritmo que ha dispuesto Natalia Menéndez. Quizás el culpable de este freno sea el arbolazo que Alfonso Barajas ha plantado en el medio de las tablas, para ofrecer una ambientación selvática, y propiciar cada uno de los equívocos y escondrijos que se van a suceder. Ciertamente, la propuesta del escenógrafo sería fenomenal si nos quedáramos únicamente con nuestras sensaciones visuales; pues el susodicho árbol se abre pesadamente por la mitad y es desplazado hacia los laterales con cierta molestia. Ese trajín se ha querido edulcorar sacando al elenco vestido de cotorras argentinas a despistarnos con bailecitos; pero ni por esas. Eso sí, son de valorar las enormes puertas con espejo que estilizan muy bien el juego de apariciones y de apariencias. También excelentes las videocreaciones de Álvaro Luna (siempre tan detallista) en el fondo, que conjugan los elementos propios de los célebres azulejos (azulados) portugueses con otros motivos florales y rostros para la ensoñación. Todo ello con una iluminación de Juan Gómez Cornejo que potencia las sombras y los recovecos que se deben producir en un espacio, en muchas ocasiones, tan vacío. Más, claro, el espacio sonoro de Mariano García que nos sumerge en el misterio boscoso con su fauna. ¿Encontraríamos mayor brío sin el tronco movible? Algo sí, seguro. Aunque, en general, falta también vivacidad en el verso de la mayoría de los diálogos. Suena demasiado sentencioso para ser comedia. Quizás mejore con el rodaje, y esto sean suspicacias inanes. Sea como sea, el comienzo de la obra es verdaderamente confuso. No solo porque se dirime en un duelo a espada y eso impide la buena audición; sino porque, además, se relata un entuerto que se entenderá someramente mucho más adelante. Nos situamos en Aveiro, siglo XV. Digamos que la acción principal se sustenta en una historia de amor y, a la vez, en un ansia por ascender socialmente. Mireno es un pastor que interpreta con donosura Pablo Béjar, quien ha ido creciendo con firmeza a lo largo de los últimos años, mientras ha trabajado en la Joven Compañía de Teatro Clásico (fijémonos, por ejemplo, en La dama boba o en Los empeños de una casa). Recorre el bosque con su sirviente Tarso, interpretado por un actor idóneo para este tipo de papel, y que despliega sus guiños y su gestualidad al servicio de la risa; sin embargo, constreñido al ritmo del que hablaba antes (César Camino). Ambos se topan con Ruy Lorenzo, el antiguo secretario del conde de Avero, encarnado con sensatez por Carlos Lorenzo y por su criado Vasco, acogido con cierta altivez por Alejandro Saá. Estos vienen huyendo por un conflicto con el conde de Estremoz (de ahí el duelo inicial). Presenciamos el primer intercambio de vestuario para favorecer el consiguiente equívoco. Mireno se convierte en don Dionís y marcha a cumplir con sus ansias de demostrar su valía para medrar. Con la llegada a palacio el enredo se multiplica; pues esta obra no deja de tener como impulso principal el amor. Las hijas del conde, ya tienen prometido; pero a ninguna les satisface el elegido, con lo que están dispuestas a encontrar un marido mejor. Por una parte, tenemos a Madalena, una Anna Moliner juguetona y preparada para ser seducida por Mireno. La cuestión es que ella, por la moral establecida, no puede cortejarlo. Y él, por su vergüenza, pues no atina con el empaque necesario. Su vergüenza no es de carácter, no es una razón sicológica, como bien hemos podido comprobar en su conversación con otros personajes; sino más bien, su cohibición está justificada con su infravaloración social. Él se siente pastor; aunque realmente, como se verá en el desenlace, no lo es (así suele ocurrir en estas comedias con la habitual anagnórisis). La gracia, por lo tanto, está en el flirteo contrahecho de los dos. Más chispa, más soltura, y más fascinante es la relación de la otra hija, Serafina, con don Antonio, el nuevo secretario. Ella, Lara Grube, está espléndida y tiene una actuación muy destacable a lo largo de toda la función. Resuelve su momento estelar, cuando se viste de hombre y actúa como tal en una recreación de la obra teatral La portuguesa cruel, tal, que enamora a doña Juana, la prima de Antonio. Esta la interpreta María Besante, y aprovecha durante todo el espectáculo para hacer de enlace, de la maestra de ceremonias y de celestina. Javier Carramiñana construye su personaje desde el panfilismo y resulta ser el más humorístico de todo el reparto. Recurre al pintor, Raúl Sanz, para que este pinte un retrato de su amada; a pesar de que esta se haya travestido (más enredo narcisista). Por otra parte, de principio a fin, José Luis Alcobendas se mete en la piel del duque de Avero, y se entrega con furia y con encanto, porque toda la obra está pincelada con bailes anacrónicos y escorzos chocantes que no alcanzan, afortunadamente, el exceso. Mey-Ling Bisogno los pone a bailar como si acabaran de aprender, en la deformación de las danzas cortesanas renacentistas, tamizadas por la danza contemporánea. Algo raro e irrisorio. No obstante, esto nos permite apreciar y disfrutar del fantástico vestuario que ha preparado Almudena Rodríguez Huertas, desde el complejo calzón que se enrevesa en las piernas de Tarso, hasta la capa parda alistana que carga Juanma Lara, hacia la parte final, cuando se produce la feliz revelación sobre el protagonista; pasando por toda una colección de vestidos tanto masculinos como femeninos llenos de detalles exquisitos: capas cortas, chaquetas ajustas, mangas abullonadas, sayas coloridas con corpiños y escotes rectos que permiten lucir los hombros en las féminas,… En conclusión, debe quedar claro que El vergonzoso en palacio que presenta Natalia Menéndez es un gran espectáculo, que se vive gozosamente y que posee muchos elementos de atracción; aunque arrastre esos hándicaps arriba reseñados. El espectador sabrá escoger la escena o la perspectiva que más le interese, entre las diversas complejidades que se manifiestan.

El vergonzoso en palacio

Autor: Tirso de Molina

Dirección: Natalia Menéndez

Versión: Yolanda Pallín

Reparto: Bernabé Fernández, José Luis Alcobendas, Raúl Sanz, César Camino, Nieves Soria, Pablo Béjar, Alejandro Saá, Carlos Lorenzo, Fermí Herrero, María Besant, Javier Carramiñana, Anna Moliner, Lara Grube y Juanma Lara

Vestuario: Almudena Rodríguez Huertas

Escenografía: Alfonso Barajas

Iluminación: Juan Gómez Cornejo

Espacio sonoro: Mariano García

Coreografía: Mey-Ling Bisogno

Videocreación: Álvaro Luna

Asesor de verso: Vicente Fuentes

Lucha escénica: José Luis Massó

Teatro de la Comedia (Madrid)

Hasta el 1 de noviembre de 2020

Calificación: ♦♦♦

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Fedra

El Teatro de La Latina acoge la propuesta Paco Bezerra, quien revisita el clásico para dotarlo de mayor humanidad

Foto de Jero Morales

Resulta satisfactoria, en términos generales, esta aproximación al mito de esa mujer enamorada hasta las entrañas. La nieta del Sol fulge en su angustia hasta llegar a la enfermedad y Lolita Flores no puede ni sujetarse la melena en los padecimientos de su enfermedad. Su expresión con las manos, la hondura que manifiesta en las frases más sinceras, el amor que expele junto al cuerpo de su amado hijastro, Hipólito. El hijo de Teseo y de la amazona Antíope (también llamada, en ocasiones, Hipólita) es un Críspulo Cabezas que parece más interesado en la sensualidad bucólica que le ofrece la naturaleza que en aceptar las insinuaciones de su madrastra. Paco Bezerra, inspirado por Eurípides y por Séneca, reinventa esta conocida historia para convertirla en un relato más cercano a la novela de aventuras, despojado de los dioses clásicos que infunden su poder; está como extraída de Las mil y una noches o, si queremos, aproximarnos más a nuestro presente, podemos imaginarnos una película de piratas o de buscadores de tesoros donde encontramos reinos casi idílicos que se deben arrasar. Sigue leyendo

La cantante calva

El teatro del absurdo que Ionesco puso en marcha con esta obra sigue divirtiendo, pero ya no irrita

Foto de Javier Naval

Ya no es para tanto. El público ríe y aunque no se comprenda del todo, no se siente estafado, quizás un poco aburrido en algunos momentos; y si al final no sale ninguna cantante calva, tampoco es para escandalizarse en un mundo como el nuestro. Por qué no tomarse esta primera creación de Eugène Ionesco (1909-1994) como un ensayo de nuevos procedimientos, de una puesta en marcha de mecanismos propios del lenguaje en su deriva ilógica. Puesto que la estructura de la obra es simplona y repetitiva, no ya porque la repetición sea una técnica que explota profusamente, sino porque, como se verá en obras como Rinoceronte (1959), el teatro del absurdo iba a depararnos un despliegue mucho mayor de recursos literarios como la animalización o el simbolismo, y de constructos filosóficos como el nihilismo, el existencialismo o la crítica satírica de la sociedad. Me parece un exceso encontrar en La cantante calva referencias a las paradojas de nuestro presente donde las redes de comunicación abarcan el orbe y, sin embargo, se alimentan de la función fática del lenguaje y de una considerable incapacidad para despejar el ruido de nuestros enunciados. Sigue leyendo

Pingüinas

Fernando Arrabal presenta un texto surrealista donde unas moteras se transmutan en mujeres cervantinas

pinguinas_escena_13Lo que han presentado Fernando Arrabal y Juan Carlos Pérez de la Fuente en el Matadero es un salto mortal del espacio-tiempo, donde mujeres de hoy, liberadas, moteras, «easy riders» embebidas por el dios Pan y por el espíritu de Cervantes, se lanzan a la carretera en busca de un fin. Lo que se celebra en la sala recientemente bautizada con el nombre del dramaturgo melillense es una eucaristía pánica. Diez mujeres montadas en sus motos como faunos furibundos se encuentran en la ensoñación, unidas espiritualmente las diez cervantas solteras (menos la esposa), persiguiendo la vía mística. Al comienzo, cuando empiezan a provocar las palmas en el público, mientras ellas bailan al ritmo del Happy de Pharrell Williams, uno piensa en marcharse ante tamaña horterada. Esta molesta captatio benevolentiae definitivamente sobra y le hace un flaco favor al resto de la obra. Luego, todo cambia. Sigue leyendo