Fiesta de farsantes

José Luis Alonso de Santos adapta los pasos de Lope de Rueda para reflejarlos con nuestro presente en un espectáculo muy dinámico y divertido

Retrato por el Fotografo Pablo Lorente
Foto de Pablo Lorente

Este montaje es el claro ejemplo de lo que sí permite una adaptación al presente con desenfado, para constituir un pastiche repleto de coherencia. El teatro popular posee unos márgenes mucho más dúctiles como para que aceptemos una intervención mayor. Fiesta de farsantes es un collage extraordinariamente bien enhebrado, sin altas pretensiones artísticas; pero con una búsqueda del entretenimiento fascinante que logra rebuscar en una tradición española que tenemos absolutamente imbricada en nuestra cultura. Comprendemos a todos los personajes como estereotipos del siglo XVI, pero que son asimilables con muchos de los individuos que pululan a nuestro alrededor o que, incluso, somos nosotros mismos. Si acaso, el hambre pertinaz sea un signo inequívoco de aquellos tiempos y un motivo insoslayable para aguzar el ingenio. Además, como producto enteramente posmoderno, se entremezcla de una multitud de gestos y de puntualizaciones que resultarán imposibles de reconocer en su totalidad; porque van de lo más culto a lo más vulgar, de lo rural a lo urbano, de lo viejo a lo moderno, en extensiones muy diferentes. Sigue leyendo

Eneida

La Joven se aúna con el circo para dar cabida a esta adaptación del texto virgiliano a cargo de Paco Gámez

Eneida - Foto de Ilde Sandrin (1)
Foto de Ilde Sandrin

En esta ocasión La Joven ha decido dar un paso más allá en su propuesta de adaptar una obra clásica a un lenguaje contemporáneo, y que resulte atractivo a las nuevas generaciones. Aunar artes circenses, teatro de texto y música en directo suena, en teoría, muy bien; y si el lugar elegido para el montaje es el Price, pues mejor todavía. Por lo tanto, a priori, uno debe deducir y tener en cuenta esfuerzos mayores, y una preparación profesional de gran exigencia. Concluyamos que el conjunto, como experiencia sensorial y visual, resulta gustoso; porque varios de los elementos confluyen exitosamente en varios momentos. Aunque es justo reconocer que no se puede considerar que el espectáculo sea consistente de principio a fin, como voy a intentar demostrar. Si partimos del texto que ha escrito Paco Gámez, inspirándose en Virgilio, diremos que se ha empeñado en darle una vuelta de tuerca que termina por ser incomprensible. Mucho se debe contextualizar el asunto fuera de la función, para que se comprenda por dónde se quiere ir realmente. Es decir, si nos olvidamos de Eneas y pensamos más en un barrio de una ciudad europea que se incendia, repleta de individuos que producen rechazo en los que están fuera, y que eso hace que el viaje y la huida sea la única solución esperanzadora; y que la odisea y la reunión con otros pueblos sea el germen de lo que ahora denominamos Unión Europea, pues la epopeya romana se deshilacha. Los símbolos, los dioses, las fuerzas telúricas se desvanecen. De la Eneida, en definitiva, quedan las raspas de una trama que vale más para entreverar el malabarismo y la performatividad dancística, más unas composiciones musicales tan sensuales y propicias, como configuradoras de un mundo onírico. Porque en este último apartado, es necesario volver a valorar el oficio de Alberto Granados Reguilón, quien no para de ofrecernos su buen hacer y su gran disposición a la hora de entender cuál debe ser su cometido dentro de una dramaturgia contemporánea. Los músicos se apostan como una banda en un lateral para recorrer el Mediterráneo con una sensualidad deliciosa que empasta exquisitamente con la nostalgia que expele el héroe. Cuidado con los que esperen reguetón y chunda-chunda, porque de esto no hay, afortunadamente (la publicidad es engañosa). Destaca, por encima de todos, el tema «Il cielo in una stanza», de Gino Paoli, que popularizó Mina en los años 60. Se hace cobrar aquí la importancia del padre, Anquises, provocador de una orfandad angustiosa. Luego, también penetra en el ambiente la versión de «How Deep Is Your Love», que tanto nos remite a los Bee Gees y otro poco a los Take That en declive. Además, sonará Purcell y el «Bésame mucho», durante la escena mejor elaborada dramatúrgicamente: el encuentro amoroso entre Eneas y Dido sobre un lecho que se crea a partir de un gran hinchable (la escenografía de Silvia de Marta está configurada por detalles puntuales y concretos en el círculo desnudo, situados con gran inteligencia y originalidad), mientras el resto de los artistas narran el acontecimiento para ganar en erotismo imaginario y no recargar el erotismo carnal —porno blando, si se quiere—, que tanto abunda en los productos audiovisuales. No observo pacatería —pues no faltan en algunos diálogos expresiones soeces e improperios—, sino buen gusto por parte de José Luis Arellano a la hora de dirigir esta escena fundamental. Pienso que el director ha demostrado su valía en la configuración de la mayoría de las escenas; aunque no ha logrado hilarlas en una trama robusta. En cualquier caso, Eneas es un tipo descargado de los atributos del héroe, es un muchacho valeroso, cuando tiene que buscar la justicia; pero bastante melancólico. Es casi un decadente. Samy Khalil gana en expresividad con ese pasmo de la huida, de esa tristeza que lo acompaña; lo que pierde, en ocasiones, corporalmente frente a todos esos acróbatas tan virtuosos. Por su parte, María Heredia es un dechado de fuerza y de energía, tanto su Creúsa —muy llamativa e incitadora esa compuerta al Hades con forma de cubeta con su escalera incorporada que la absorbe—, como su Dido. Resulta arrebatadora y pasional, muy dominadora de la situación, tanto, que se come en exceso a Ana Jara, que hace de acompañante, y que luego se transformará en Lavinia, cuando esta, al final, se convierta en la esposa del futuro creador de Roma. Por otro lado, Marta Velilla como Acates (luego también como Andrómaca, en una escena deslavazada), me ha parecido que tenía un ímpetu muy necesario para contribuir positivamente a una dinámica algo juvenil. Y es que los aliados del héroe son un poco blanditos para la cuestión que nos compete. Ya sea Javier Ariano como Palante, que cumple con corrección su papel de secundario; o Jota Haya, que hace, sobre todo, de Aqueménides; pero que brilla cuando se encarna en Silvia, una sibila travesti y prostibularia muy atrevida y cachonda. El otro asunto a tratar es la inclusión, aquí y allá, de algunos números circenses. Casi en ningún momento parecen venir a cuento, y resultan un pegote; vistoso eso sí, muy meritorio, por supuesto; pero sin ideas creativas que se engarcen con el argumento. Diría que los malabares con mazas de Sirio Fernández son un ejemplo de cómo aprovechar sus habilidades para recrear una especie de vacile callejero que sí que funciona. O los movimientos de Amaya Frías en el suelo, que nos dan una idea más simbólica de los distintos episodios. Luego, el resto de actuaciones me parecen un poco traídas por los pelos, principalmente esa alegoría de la llegada de Europa, con Cira Cabasés y Juan de las Casas demostrando maravillosamente lo que son capaces de hacer sobre la báscula; aunque desgajados de eso llamado Eneida. Y, claro, ver a Monika Budzinska en el trapecio atrapa nuestra atención y le da hermosura al espectáculo; pero, igualmente, no se comprende el maridaje. En definitiva, es un montaje de La Joven (acaban de presentar también Ulloa), que intenta abrir otros caminos artísticos y eso es de alabar. Cualquier espectador puede coger de aquí y de allá para marcharse con buen sabor de boca; no obstante, la síntesis de los tres pilares que se ponen en juego no llega a fraguar con solidez.

Eneida

(Playlist para un continente a la deriva)

Texto: Paco Gámez, a partir de Virgilio

Dirección: José Luis Arellano García

Reparto: Javier Ariano, Jota Haya, María Heredia, Samy Khalil, Ana Jara, Marta Velilla, Monika Budzinska, Cira Cabasés, Juan de las Casas, Sirio Fernández, Amaya Frías, Julia Cano, Andoni Larrabeiti y Cristina Vigil

Músicos: Miriam García (saxo/flauta), Alberto Granados Reguilón (teclados), Jorge Henríquez (percusión), Javier Lisón (guitarra), Emma Weil (guitarra), Vicente Pérez (bajo)

Escenografía y vestuario: Silvia de Marta

Iluminación: Juanjo Llorens

Dirección musical y arreglos: Alberto Granados Reguilón

Coreografía: Andoni Larrabeiti

Ayudantía de dirección: Paco Gámez

Diseño de sonido: Félix Botana

Caracterización: Sara Álvarez

Asesor histórico-literario: Oliver Baldwin

Asesor circo: Javier Jiménez

Asesora movimiento: Eva Sánchez

Dirección de producción: Olga Reguilón Aguado

Dirección técnica: David Elcano

Regiduría: Daniel Villar

Ayudantes de escenografía y vestuario: Karla Santiago, Nicolás Guindo y Gracia Collado (prácticas)

Ayudantes de iluminación: Rodrigo Ortega, Paloma Cavilla (prácticas) y Nacho Medina (prácticas)

Ayudantes de regiduría: Paula del Fresno (prácticas) y Joel Valiente (prácticas)

Ayudantes de caracterización: Paloma Rodrigo y Santiago Calzón (prácticas)

Ayudante de producción: Paloma Rodrigo y Mayte Navarro (prácticas)

Gestión de públicos y administración: Rocío de Felipe

Fotografía: Ilde Sandrin

Comunicación: María Díaz y Pedro Sánchez

Diseño gráfico: Guillermo Vázquez

Alianzas: Teatro Circo Price, Fundación Teatro Joven, Escuela de Circo Carampa, Escuela de Música Creativa, Conservatorio Superior de Danza María de Ávila

Teatro Circo Price (Madrid)

Hasta el 17 de abril de 2021

Calificación: ♦♦♦

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Mapa de heridas

La Sala Cuarta Pared acoge este drama de Sergio Martínez Vila sobre las secuelas de la violencia sexual dentro de una atmósfera caótica

Foto de Antonio Colomo

Posee la escritura de Sergio Martínez Vila una esencia brutal, agónica y autodestructiva. Así se puede apreciar en obras suyas como El fin de la violencia, En La Ley o en Juegos para toda la familia. En esas tres, también lo apocalíptico nos remite a coordenadas espaciotemporales que no reconocemos inmediatamente; sin embargo, en Mapa de heridas se nos destina a una realidad mucho más cercana. Es muy fácil que enseguida pensemos en Jauría, el montaje de teatro documento sobre la conocida como la Manada de Pamplona; pero, también, en alguna medida, algunos pasajes me han recordado a Hard Candy. No va a ser sencillo que los espectadores puedan trazar completamente el puzle que nos propone el autor; porque ha buscado, adrede, la confusión, de tal manera que los personajes masculinos tiendan a parecer el mismo o a concitar tales similitudes que uno ya no sepa exactamente a quien se refiere en todos los casos. El caos con el que se circula sirve de metáfora acertada para trasladarnos el desconcierto y las contradicciones que operan en el comportamiento de la protagonista. El hecho de que se proceda con saltos temporales, que se incluyan fragmentos que cuesta ubicar en la trama y ciertos elementos grotescos o extravagantes cercanos a un surrealismo sucio (véase la escena final con la manera de beber champán y de desnudarse él), es la gran baza de la propuesta; pues logra trazar una atmósfera de angustia. Cristina de Anta da vida a Ana, una joven treintañera que ha descubierto al morir su madre, que cuando apenas tenía dieciséis años fue violada en grupo y que fruto de esa atrocidad nació ella. Por lo tanto, el que creía que era su padre biológico, no lo es. La actriz combina con perspicacia la furia aniquiladora inicial, con la expresión de la perplejidad al cuestionarse ciertas pulsiones que la arrastran. Sigue leyendo

Querido capricho

Tomás Pozzi despliega todas sus capacidades artísticas para meterse en la piel de Amanda, una mujer rota de amor

Foto de Luz Soria

La palabra ‘capricho’, ya desde su etimología italiana, está relacionada con el ‘escalofrío’, con la ‘idea nueva y extraña’ y el ‘antojo’; pero también con la obra de arte que rompe las reglas. Posee, por tanto, esta propuesta que nos enseña Tomás Cabané, un hálito de libérrimo juego que entronca con esa función primordial de la fantasía y de la imaginación, que es permitirnos escapar de la zozobra existencial. Y, además, como un pastelito, bien envuelto con esas capas metateatrales que no pueden faltar; porque parecen de obligado cumplimiento en las dramaturgias contemporáneas. Aunque, ante todo, cuesta mucho pensar en otro intérprete que no sea Tomás Pozzi haciendo este papel. Es fácil descubrir sus exageraciones ―es argentino, ¡qué esperábamos!―, esa comicidad que arrastra en su propia expresión genuina; pero logra un punto de complejidad emotiva, de candor visual, de expresividad corporal con sus movimientos eléctricos y «escalofriantes» de amante sufriente que uno queda fascinado por tamaña actuación. Es una bestia escénica, y eso es innegable ―ya lo afirmé cuando lo vi por primera vez en Cuestión de altura―. La función va de fuera adentro, del Tomás, a lo mejor, él mismo o, un tipo similar que se encierra en su casa y que fabula, en su soledad con la historia de una mujer madura abandonada por un hombre más joven. Sigue leyendo

Ambiente familiar (mínimo 2 noches)

Una dramedia sobre la turistificación de nuestras capitales a través de un fresco amable de nuestras costumbres

Foto de Esmeralda Martín

Hace unos años pocos años Aitana Galán y Jesús Gómez Gutiérrez adaptaron Navidad en casa de los Cupiello. Aquella obra de De Filippo era, a la postre, una derivación realista de aquella prosa barroca tan abigarrada que se dedicaba a expurgar y a enjuiciar los vicios sociales, y la eterna hipocresía con la que se procedía en el decadente siglo XVII. Experto en ello fue Quevedo y, también, por supuesto, Gracián. Ahora, en Ambiente familiar (mínimo 2 noches) el cuadro de costumbres se salpimenta con incursiones poco eficaces e inconsecuentes de diversos episodios trágicos de nuestra reciente historia. Véase, por ejemplo, el caso del aceite de colza o el desamparo de los saharauis una vez nos desentendimos de aquel territorio. Es una dramedia en la que cada uno de los elementos que componen el fresco queda a medias. Reitero, todo queda a medias o, ni siquiera esbozado. Y, cómo voy a intentar desentrañar en las próximas líneas, no resulta claro cuál es el objetivo de este estilo hoy en día. Si recurrimos a las referencias clásicas antes señaladas, desde luego, el sarcasmo y el insolente dilogismo están ausentes. La mordacidad ni se aproxima, y la crítica no es furibunda; sino timorata y suave. Sigue leyendo

BARRO

Un drama que repasa fulgurantemente la Primera Guerra Mundial a través de los jóvenes soldados de ambos bandos

Hay que insistir una vez más en la importancia que tiene el proyecto de La Joven Compañía; pues supone un hito en la difusión del teatro. Si un grupo de profesionales está ganando espectadores (y el esfuerzo es ímprobo en nuestra sociedad de la sobreabundancia ociosa) son precisamente ellos. Puesto que la combinación de textos interesantes, ya sea porque se apoyan en clásicos o porque al ser de nuevo cuño atinan con temas de relevancia; o ya sea porque estéticamente son altamente atractivos tanto para el público general como para los adolescentes. Todo esto no les debe eximir de la crítica, que tendrá que ser tan exigente como el trabajo que ellos mismos se imponen. Sigue leyendo

Perfectos desconocidos

Daniel Guzmán dirige con esmero la versión teatral de este éxito cinematográfico en el que los móviles son el artefacto del demonio

Foto de Sergio Parra

Era del todo esperable que llegara la versión teatral de este éxito cinematográfico ―primero en Italia con Perfetti sconosciuti, dirigida por su creador, Paolo Genovese y, en España, con la mirada de Álex de la Iglesia; puesto que, principalmente, el espacio ―casi único― permite concentrar muy bien la acción y, sobre todo, regodearse en la situación: un puro desbaratamiento, una explosión de revelaciones. Este tipo de productos culturales se posicionan claramente del lado del espectador, es decir, se congratulan con él; ya que este siente alguna identificación. Además de que el discurso es sencillo, entretenido y divertido; básicamente los principios del teatro comercial. Ahora, en este caso, dado que se emplea un instrumento ―el teléfono móvil― que casi la totalidad de la población adulta utiliza; realmente podemos sacar una lectura contemporánea más aviesa y pertinente de lo que ocurre en escena. En definitiva, Perfectos desconocidos favorece dos lecturas que pueden convivir esencialmente en la perspectiva de cada persona que asista al Teatro Reina Victoria, si pone un poco de empeño más allá de la risotada. Porque es claro que debemos plantearnos cómo hemos llegado a esta situación, a este narcisismo, a esta búsqueda agónica por la emoción fuerte, por evidenciar nuestro supuesto poderío en las redes sociales, por esconder nuestros secretos en un aparato que nos expone demasiado. Sigue leyendo

En la fundación

La Joven Compañía se atreve con esta obra de Buero Vallejo que se aproxima a la ciencia-ficción

Foto de David Ruano

Durante el año pasado, no faltaron quejas en el mundo teatral sobre la ausencia de obras de Buero Vallejo durante el centenario de su nacimiento. La verdad es que creo que la única representación que se hizo fue, precisamente, La fundación, en La Pensión de las Pulgas, dirigidas por Ruth Rubio. Por lo tanto, volvemos sobre el mismo texto en la versión que ha realizado Irma Correa, de quien conocimos la temporada anterior Hablando (último aliento), una historia donde también se trataba el tema del encierro y en un ámbito psicológico. La dramaturga ha intervenido los diálogos de tal manera que podemos apreciar un lenguaje más cercano todavía a nosotros; aunque la adaptación no ha llegado al punto de pulir las explicaciones tan evidentes que se escuchan en la primera parte. Y es que Buero combina en esta fábula dos tramas muy marcadas que casi llegan a funcionar como cajones estanco. Sigue leyendo

Dos nuevos entremeses, nunca representados

Ernesto Arias monta estas dos piezas cervantinas con el ambiente propicio del Barroco más burlesco

Foto de Sergio Parra

No podemos más que celebrar que estas dos nuevas piezas se sumen a los Entremeses que recuperó José Luis Gómez, quien también protagonizó su particular Celestina, auténtico vaso comunicante con el ambiente picaresco y marginal que exponen estas piezas que Ernesto Arias dirige en el Teatro de La Abadía. Avancemos que el montaje está repleto de aciertos que permiten sublimar unos textos que en su trama esencial son bastante sencillos; pero que tanto literaria como sociológicamente poseen un valor incuestionable. Con tal de alargar hasta la hora y veinte minutos unas historias que no darían, desde luego, para tanto, se han tomado una serie de decisiones teatrales —aquí hay que felicitar tanto al director como a Brenda Escobedo, responsable de la dramaturgia—, decisorias y plenamente exitosas (el público queda entusiasmado ante el despliegue artístico). Primeramente somos llevados a la nocturnidad, al frío de la calle en que duermen los grupos marginales de aquel Barroco tan devastador. Se logra un silencio de casi un minuto que configura un amasijo de cuerpos, como una Balsa de Medusa, un escorzo antes de que la acción se ponga en marcha. Se genera un clímax idóneo y pertinente para adentrarnos en un Madrid taciturno. Sigue leyendo