«Colócate a mi derecha, pues soy sordo de este oído». César no quiso atender al vuelo de los pájaros que se aproximaban premonitoriamente por la siniestra. Llegaron los idus de marzo, y la conjura de sus antes amigos y fieles senadores confirmó los presagios. Cruzar el Rubicón fue toda una declaración de intenciones y uno debe saber medir sus fuerzas. Sigue leyendo
Es imposible abstraerse y dejar de lado el film de Vicente Aranda (ganadora del Goya a Mejor Película en 1991) y no recordar a su elenco: Jorge Sanz, Maribel Verdú y Victoria Abril (premiada por este trabajo en el Festival de Berlín). Pero pronto la escenografía montada por Paco Azorín te absorbe y te lleva dentro de un espacio partido en dos: un cielo en el que habita, limpiando con alegría y resignación en la casa de un coronel, Trini, que Natalia Sánchez encarna someramente, con timidez, con excesivo pundonor angelical y quizás poco representativa de una muchacha de provincias llegada a Madrid en pleno franquismo; del otro lado de la mesa que cruza en perpendicular el escenario, se incendia el drama, la tentación, un lugar alimentado por el deseo y la provocación de Marta Belaustegui dando vida a Luisa. Sigue leyendo
El policía de las ratas parte de un relato del autor que más renombre ha logrado en los últimos años en lengua castellana, más, incluso, desde su muerte en 2003. A Roberto Bolaño le gustaban las indagaciones, lo demostró en 2666 o en Los detectives salvajes. Sus personajes buscan la respuesta a preguntas inconvenientes y en esta obra, que Àlex Rigola ha llevado a escena, la cuestión radica en la maldad, en su porqué fuera de las necesidades básicas. Sigue leyendo
La sala pequeña del Teatro Español refleja al propio público deformado por unos espejos que adelantan la metamorfosis a la que se va a ver sometido el doctor Cebrián. Un piso digno de un adinerado y triunfador psicólogo que apenas ronda los veintitantos años recibe la llegada de su dueño tras una noche de gloria y éxtasis discotequero. Es él, Martiño Rivas, que con su planta, con su chulería y con su insolencia juvenil, quien se mete en las carnes de un psicólogo que ya lo ha conseguido prácticamente todo en la vida. Ahíto de esplendor, después de una súbita transformación mágica —como en varias ocasiones hemos contemplado en el cine—, donde había un bello espécimen, ahora tenemos a un tipejo de metro y medio, medio calvo y no medio argentino, sino completamente argentino. El paradigma de psicoanalista freudiano y verborreico, antítesis del estilizado españolito aupado por decenas de másteres, por sus capacidades atléticas y fundamentalmente por una belleza que avanza el principio de su valor como doctor. Sigue leyendo
En poco más de una hora Kafka sintetiza su angustia, su malestar existencial, su incomprensión de sí mismo y esa ansia por escribir como forma de esconderse del resto de la humanidad que nos atisba a entender que eso y solo eso es lo que da sentido a su vida y, lo que resulta más paradójico, seguramente esté equivocado. Kafka no nació para vivir y mucho menos para enamorarse, ni siquiera de sí mismo, por esta razón el planteamiento de la obra creada por Luis Araújo concita las impotencias de un hombre atormentado.
Las sillas sobrevuelan amontonadas sobre un piso en plena mudanza que en sí mismo es un espacio en desarrollo, quebradizo, ruinoso, como sus personajes. Emilia, una de esas señoras que suplen a los padres en las casas de la burguesía y de las familias a las que cuidar a un hijo resulta tedioso, aburrido y agobiante, es una mujer que ha hecho de la crianza de Walter la justificación de su vida. Emilia es Gloria Muñoz (solo la configuración de la mueca de su rostro es suficiente para marcar el tono inicial de la obra) y nos ofrece su memoria, su delicadeza y esa serenidad que abnegadamente no ha sabido transmitir a su muchacho. Puro exceso de amor. Walter, Alfonso Lara, es el encargado de solapar las relaciones, de inventarse un mundo de cariños maduros para el que no está suficientemente preparado. Lara maneja los ritmos con soltura y contención equilibrados, asumiendo que la obra necesita un pilar endeble como el suyo, un fusible que no salte a la primera de cambio y que mantenga al espectador pendiente de las anomalías de su pasado. Sigue leyendo
Cuando en el centro del escenario destaca una estantería con vasos y botellas de vodka y whisky, un sillón de líneas modernas y apenas unas sillas en un espacio diáfano, nada induce a pensar que allí la confusión, el entramado de memorias agrietadas y la imposición de los orgullos vayan a propiciar un diálogo abstruso e imposible de descifrar en su totalidad. En un principio, el dueño de la casa, interpretado secamente por Josep Maria Pou, y un invitado, por un momento, desconocido, que Lluís Homar conduce con maestría, dándole el ritmo preciso a la obra desde su comienzo y enlazando comentarios y reflexiones por una parte contradictorios, pero, por otra, cargados de autenticidad (tema que sondea la obra en cada parlamento), comienzan a beber amablemente. Dos desconocidos, dos viejos amigos, un burgués y un vagabundo, dos escritores, una historia personal íntima que se va descubriendo es únicamente la superficie. Allí están plantados dos hombres maduros con unos fundamentos incólumes que se irán deconstruyendo en cada trago, en un proceso melopeico henchido de rencores e incapacidades. Sigue leyendo
Diego Lorca y Pako Merino llevan ya unos cuantos años desarrollando su proyecto y ofreciendo espectáculos realmente personales. En este caso, un joven juez tiene que regresar a casa de su padre (también juez, jubilado y viudo) debido a una plaga de termitas. A su vez, el robot espacial Curiosity es enviado a Marte. Las metáforas se plantan en el escenario desde el principio para exponer las angustias de ese hijo que se carcome por dentro al no conseguir hablar de su madre —de la «accidental» muerte de su madre— con su progenitor. Ambos personajes, los dos hombres de leyes, luchan por tener la razón, uno desde el sentido de la estricta autoridad y la disciplina a rajatabla; y otro con un sentido de la vida más dialogante, más afable. Se presenta así un combate de reproches por el pasado y una búsqueda esperanzadora por superar las diferencias, por mirar hacia delante reformulando su relación. Sigue leyendo
Resulta insólito encontrar una obra de teatro escrita en castellano que trate el género negro, con humor negro, en la negritud de Londres. En la versión dirigida por Mariano de Paco, los tintes cinematográficos están presentes desde el principio con unos títulos de crédito y una música de toque Hitchcock que propician una entrada en la obra trepidante, graciosa, inusitada (hablando en inglés como si en realidad fuera en castellano). Esa es la gran maestría de Mihura: imponer un tono desde el mismo inicio, que no suelta en ningún momento, con una coherencia tan aplastante y tan duradera que no es capaz de evitar enrollarse en sí mismo con su propio desenlace. Este es un defecto que también encontramos en Maribel y la extraña familia, por ejemplo. A Miguel Mihura le falta determinación para zanjar el asunto y en Carlota lo comprobamos aún más cuando en las habituales explicaciones detectivescas de este tipo de obras (fundamentalmente en las novelas), el barajeo de nombres, de posibilidades, de hipótesis, de conclusiones llegan al paroxismo, máxime si la función se presenta a modo de flashback mientras el cuerpo de Carlota se enfría a la espera de un asesino manifiesto. Sigue leyendo
