La biografía del pedagogo se vivifica en el Teatro de La Abadía con la dirección de José Luis Gómez
Foto de Lucía Romero
Coincide esta función en el Teatro de La Abadía con el próximo estreno de Historia de una maestra. Vivimos en una crisis en el sistema educativo español que no deja de ser otro aldabonazo en la eterna decadencia en esta materia dentro de nuestro país. Nunca hemos estado realmente a la altura de nuestros vecinos. Hemos perdido demasiadas oportunidades. Francisco Ferrer fue otro de esos idealistas ─aunque muchas de sus propuestas fueran bastante positivistas y materialistas─ que se agarraron a las concepciones buenistas de Rousseau, con aquellas proclamas que especificó en el Emilio, y que nos han dejado diferentes experimentos que, quizás, valgan para las primeras etapas de la enseñanza o para épocas y territorios, donde sencillamente había que empezar a funcionar desde cero (Montessori como marca registrada y desfigurada). Sigue leyendo →
Eduardo Vasco le ha restado melancolía a su adaptación de este clásico para trazar un espectáculo disfrutable
Somos afortunados de poder asistir a un espectáculo teatral con un elenco de veinticinco intérpretes. En la versión de Lluís Homar no se llegó tan lejos y, en la más reciente de Sanzol para el CDN, el cariz fue bastante austero. Pero, ante todo, tenemos delante de nosotros un montaje novedoso. Sigue leyendo →
En el Matadero se pretende un simulacro de M, el vampiro de Düsseldorf que únicamente destaca por su expresionismo
Foto de Esmeralda Martín
De esta función, lo que menos comprendo es la ‘y’ del título. En qué medida tanto Alberto San Juan, como autor, y Andrés Lima, como director, creen que en escena se unen el asesinato y la adolescencia. Principalmente, si esta última se representa con la mera emisión de unos vídeos donde salen chavales con distintas preocupaciones y ansiedades (no osaré determinar sus posibles traumas). Nada mucho más nuevo, quizás el foco, la exacerbación, aquello de la sociedad del cansancio. Son fragmentos aquí y allá sin demasiada profundización. Generalidades sin contexto. Todavía si, como se hizo con Prostitución, se hubiera emprendido algo similar llamado Adolescencia; tendría algo a lo que agarrarnos.
Pero parece que la inspiración llega de ese clásico oscurísimo de Fritz Lang, M, el vampiro de Düsseldorf; a pesar de ello, lo que encontramos es un manierismo que no encuentra conjunción en la actualidad manifestado de esta forma. No entiendo qué tipo de circunstancia se quiere predeterminar para luego entender, justificar o enhebrar el talante de un asesino. A lo mejor, si pudiéramos especular con algo más de certidumbre por dónde pilota ese policía ocupado en un centro de menores. Si en el fondo es como sus colegas, que aprovechan su poder para abusar de esos muchachos.
La breve pieza podría funcionar únicamente sin texto, por el puro expresionismo, mucho más moderno, que se intenta trasladar. El empeño de Beatriz San Juan con la escenografía sí que es fructífero. Esa pared que se mueve sutil y amenazantemente resulta una provocación, una asfixia. A ello se le suma toda la ambientación sonora de Nick Powell con una cadencia house que se agolpa en la vibración de nuestra protagonista, tanto en la dispersión lúdica de su baile, como en la desesperación tan angustiosa que muestra cuando se inflige esos cortes que ya ni duelen. Lucía Juárez esta fenomenal en todas las facetas del espectáculo. Es capaz de trasladarnos la aglomeración de sus sensaciones, de esa fase terminal de su adolescencia, con el dolor por lo incomprendido, por la falta de atención y de cariño, por la incertidumbre tan insoportable. Una bipolaridad que la lleva a perderse en la fiesta; para luego sufrir en el encierro de su habitación o en su vagabundeo, cuando sus amigos no aparecen.
No se acierta, por otra parte, al caracterizar a nuestro homicida de una manera que hoy resultaría tan llamativa como ridícula. No es comprensible vestir a alguien así, como un Peter Lorre con sombrero, gabardina y de negro impoluto. Un detective poco privado para nuestro presente. ¿Es algo humorístico? Porque no es nada creíble Jesús Barranco en esa actitud que adopta. Ya no sabes si es un incel, un friki o un hombre verdaderamente insignificante. Cuesta identificar su carácter; porque es la atmósfera, al final, la que dota a este individuo de un aire tenebroso; aunque no macabro. Y es que hablamos de un asesino de niñas; pero el murmullo es juvenil, no solo por los vídeos, donde los observamos en el parque pasando la tarde o por ahí en la feria. Sino porque la divagación se concentra más en ella, con la canción de C. Tangana, «Comerte entera» reiterándose; y que trata, efectivamente, de amor. De haberlo, el trasfondo detectivesco parece de cómic.
Por supuesto que la tímida relación callejera y, después en casa, que establecen los dos protagonistas tiene que ver con esa necesidad de afecto, de alejarse de la soledad, de que alguien les haga caso. Sí, eso está muy claro. Ahora, lo que ha pretendido con su texto Alberto San Juan queda un tanto lejos de algún atractivo. A Lima, al menos, se le entiende su interés estético. Y ese, lo ha logrado.
Coro de adolescentes: Conchi Albiña, Lucas Alcázar, Mari Carme Chiachio, Valentina Lima, Álvaro Ramírez, Bruna Pérez, Julen Gadi Katzy, Miguel Moya, Bruna Lucadamo, Pedro Vega, Miriam Pérez y Alfredo Domínguez
Diseño de espacio escénico y vestuario: Beatriz San Juan
Diseño de iluminación: Valentín Álvarez
Música y espacio sonoro: Nick Powell
Diseño de sonido: Enrique Mingo
Videocreación: Miquel Àngel Raió
Producción: Checkin Producciones Joseba Gil
Ayudante de dirección: Laura Ortega
Residente ayudantía de dirección: Teatro Español Cristina Simón
Una producción de Checkin Producciones y Teatro Español
Carlos Tuñón dirige una «no representación» sobre esta pieza de Calderón, para animar a los espectadores a dormir sobre el escenario
Parece acertado traer a escena uno de los más célebres autos de Calderón, pues todos hemos llegado a ver algunas imágenes de Lorca, cuando este lo representó con La Barraca. Según sabemos —y así se nos da a conocer en la propia función— que la segunda versión de esta obra —de la primera, que data de 1635— se estrenó en el Corpus Christi de 1673 en Madrid, y que lo hizo, a lo largo del día, en tres plazas distintas.
Cuando un accede a la Sala Tirso de Molina, en la quinta planta del Teatro de la Comedia, ese espacio que puede ser alucinante; pero que no deja de ser una moderna caja escénica para un centenar de espectadores, uno es recibido por los intérpretes, que pululan, vestidos de negro. Somos agasajados con unos auriculares inalámbricos que ya transmiten voces que nos confían los ensayos, las maneras de recitar, como si escucháramos esas fanfarrias de calentamiento antes de un concierto. Que nos ofrezca una «hostia» con el mensaje «Usted está aquí» para ese ejercicio de supuesta comunión, para que, al comerla, se nos recuerde que «ahora está en ti», es un pequeño gesto que nos da esperanza sobre el alcance de algún tipo de confraternización teatral. Sigue leyendo →
Carlos Tuñón se empeña en exprimir una obra inane de Jacinto Benavente perteneciente a su Teatro fantástico
Si quitamos de nuestra cabeza el nombre de Jacinto Benavente y su Nobel, y la ínfima aura que aún le quede en nuestra sociedad, díganme qué sacan de un espectáculo como este. No pasa de mero ejercicio dadaísta. No es que sea nihilista o se escuche hablar del aburrimiento, es que es una nada y un aburrimiento. Me parece una pieza estúpida que se alarga en media hora de vacío, que no valdría ni como gag de humor absurdo firmado por Tricicle.
Aducir, como ha llegado a hacer, Carlos Tuñón que aquí está lo que después firmaron Lorca o Beckett, es una falacia esperpéntica. Del teatro modernista y de una conjunción de factores surgieron las vanguardias y sus continuaciones de postguerra; pero El encanto de una hora no deja de ser un simple esbozo estilístico que, fuera del papel, no tiene recorrido posible. Quizás, si observáramos el conjunto de las piezas que configuran el Teatro fantástico de Benavente, podríamos atar cabos, coger de aquí y de allí, entender una tradición, la del Arlequín, los efluvios románticos y simbolistas o el mundo infantil al que, por fin, se le quería dar cabida —véase el proyecto de Benavente del Teatro de los Niños, en el que se incluiría La cabeza del dragón, de Valle-Inclán, que ahora se representa en el María Guerrero—. Sigue leyendo →
Una obra que satiriza, desde el teatro-documento, los «cabos sueltos» de nuestra Transición, a través de la historia del inspector de policía Antonio González Pacheco
Foto de Laura Ortega
No han faltado en las últimas décadas —antes y después del 15 M— distintos cuestionamientos sobre el relato de la Transición. El borrón y cuenta nueva, la monarquía de partidos, el pragmatismo por encima de todo, el dejar atado el sistema controlando las estructuras y propiciando, a la postre, todo tipo de corrupciones y corruptelas que hemos padecido y lo seguimos haciendo. Entre las amnistías y el querer insistir en el olvido de muchas tropelías es muy comprensible que muchas víctimas de los zurriagazos del último franquismo quedaran desvalidas. Así quedó reflejado en el documental El silencio de los otros (2018), trayendo, sobre todo, a colación el tema de la Memoria Histórica. Otro documental, titulado Billy (2020), fue dedicado íntegramente a la figura de Antonio González Pacheco. Y, por lo tanto, podemos tomarlo como referencia también para observar la obra que firman Ruth Sánchez y Jessica Belda en el Teatro del Barrio. Sigue leyendo →
Iñaki Rikarte ha escrito un cuento ejemplar sobre el amor, protagonizado por una víctima de tráfico y su ángel
Sacar a escena a un ángel en estos tiempos tan seculares y con unos prejuicios más que asentados sobre esa figura celestial, es cuando menos una apuesta, a priori, anticuada. Porque los ángeles hace mucho que nos han abandonado y que nos remiten a una visión de la vida algo infantil. El catolicismo ha tenido siempre todo tipo de trucajes para que las fes no terminen de corromperse y la existencia terrenal; a pesar de que la inducción al temor de Dios y al tráfago por el valle de lágrimas, hayan propiciado suspicacias más que razonables. Uno es incapaz de obviar Que bello es vivir o a Michael Landon, porque el asunto no recoge pretensiones como las que aparecen en El cielo sobre Berlín, que todavía sería una veta con mayor enjundia. En cualquier caso, un ángel es un ser altamente connotado y deshacerse de los tópicos que conlleva es muy difícil. Este lastre se impone desde el inicio; ya que resulta necesario acomodarse al oficio de este custodio. Las reglas están marcadas y los límites a superar son muy estrictos. No obstante, vaya por delante que Quitamiedos es una obra amable, gustosa y hasta reconfortante, si nos fijamos en su tema esencial, el amor (romántico, claro) y algunos matices o interpretaciones en liza. Es decir, lo interesante es que tu ángel, como si fuera un doble, incluso, un doppelgänger, ha considerado que, en realidad, tu relación fallida, tu divorcio, no puede tener las justificaciones que tú, como ser viviente de carne y hueso, le estás poniendo. Esa disonancia es, desde luego, lo más persuasivo y, además, resulta más sugerente que sea desde una perspectiva masculina; pues en cuanto a las heridas del amor y sus acomodos mentales, suelen aparecer mayoritariamente las mujeres como víctimas. Sigue leyendo →
La nueva obra de Alfredo Sanzol es una intrascendente comedia de enredos con fantasmas por el medio
Foto de Javier Naval
Se presenta la nueva creación de Alfredo Sanzol bajo el aura salvífica del reciente Premio Valle-Inclán (por La ternura), en el teatro donde ahora se gana uno el caché para los que quieren estar en esa pequeña pomada farandulera que aún resiste. Aunque La valentía, más allá de los parabienes que propician y van a propiciar todos aquellos que se niegan a aceptar la verdad y que observan a este dramaturgo tan consagrado con pleitesía snob, es una comedia burguesa anticuada sin la más mínima trascendencia. Es la comedia burguesa que tanto se ha denostado y que se denuesta, y que se sigue exhibiendo en otros teatros privados en muchas ocasiones con éxitos abrumadores e incontestables; pero envuelto en la bandera del Premio Nacional de Literatura Dramática en 2017 por La respiración y con el aplauso enfervorecido de muchos de esos que no pisan aquellos teatros de autores que buscan el puro y llano entretenimiento, y de productores que piensan, lógicamente, en el rendimiento económico por encima de todo. El texto, desde luego, contiene todos los tópicos, los guiños y las «sorpresas» que se han ido anquilosando desde hace cien años, y que resultan manidos y hasta ingenuos. Sigue leyendo →
Una colección de relatos entrañables sobre las gentes de este barrio populoso del sur madrileño
Foto Bárbara Sánchez Palomero
Mientras charlan y toman la fresca a la luz de la farola y van llegando más vecinos y nosotros nos acomodamos y ellos continúan en un ten con ten cruzado de chascarrillos, anécdotas y aventuras y los jóvenes preguntan a los mayores del lugar con avidez, se nombra, de pasada, Orcasitas, como el barrio más luchador de Madrid. Bien, pues antes de adentrarme en el meollo de la cuestión, me sorprende que se haya perdido la oportunidad para evidenciar la precariedad de muchas zonas del actual distrito de Usera y las diferencias socioeconómicas que aún hoy se dan respecto al norte madrileño. Incluso en el germen de la función, aquel Storywalker donde se fueron grabando esos relatos extraídos de la vivencias de los lugareños ─la mayoría de ellos acontecimientos reales─ ha participado algún que otro actor de la presente escena madrileña que estudió en un instituto de aquel barrio tan luchador, un verdadero barrizal en sus orígenes, que se dedicó a bloquear carreteras para exigir la urbanización de esa área. Si algunos supieran hasta qué punto ha vuelto la degradación en las aulas de aquellos lares… En fin, me duele hacer la siguiente comparación, pero me parece inevitable. Estas Historias de Usera huelen a ese cine de los cincuenta (salvo honrosas excepciones, como Surcos) en el que España se mostraba satisfecha de sí misma, como si no se pasara hambre y no existiera una gran angustia por el futuro, sobre todo en el mundo rural. Sigue leyendo →
Somos afortunados de poder asistir a un espectáculo teatral con un elenco de veinticinco intérpretes. En la versión de Lluís Homar no se llegó tan lejos y, en la más reciente de 
Parece acertado traer a escena uno de los más célebres autos de Calderón, pues todos hemos llegado a ver algunas imágenes de Lorca, cuando este lo representó con La Barraca. Según sabemos —y así se nos da a conocer en la propia función— que la segunda versión de esta obra —de la primera, que data de 1635— se estrenó en el Corpus Christi de 1673 en Madrid, y que lo hizo, a lo largo del día, en tres plazas distintas.
Si quitamos de nuestra cabeza el nombre de Jacinto Benavente y su Nobel, y la ínfima aura que aún le quede en nuestra sociedad, díganme qué sacan de un espectáculo como este. No pasa de mero ejercicio dadaísta. No es que sea nihilista o se escuche hablar del aburrimiento, es que es una nada y un aburrimiento. Me parece una pieza estúpida que se alarga en media hora de vacío, que no valdría ni como gag de humor absurdo firmado por Tricicle.
kritilo 